Как красиво покрасить каре: Окрашивание волос на каре (28 фото)

Содержание:

Техника омбре на темные волосы

Пряди окрашиваются по длине, подвергаются осветлению и кончики, а вот зона корней остается в природном цвете или тонируется в еще более насыщенный темный оттенок. Чтобы получить красивые переливы оттенков применяется вертикальная техника нанесения краски, причем каждый последующий тон должен быть светлее предыдущего.

Для получения насыщенного цвета и сокращения времени действия красителя может использоваться фольга.

Плюсы и минусы омбре для брюнеток

• Техника дает брюнеткам и шатенкам возможность внести изменения в образ, не прибегая к тотальному обесцвечиванию прядей, вредному для их здорового состояния.
• Корневая зона при покраске остается незатронутой, поэтому окрашивание не оказывает негативного действия на волосяные луковицы и не требует частой коррекции.
• Отзывы в число плюсов ombre относят и возможность визуальной коррекции лица, и выраженный эффект омоложения.

К минусам колорирования причисляют высокую сложность, невозможность выполнения в домашних условиях.

Виды омбре на темных (черных) волосах

Темный тон волос не является ограничением для окрашивания омбре. Брюнетки и шатенки могут поэкспериментировать как с палитрой, так и с разными способами выполнения окрашивания.

Классическое прямое (двухтональное)

Актуальная техника для темноволосых женщин и девушек, потому что не затрагивает зоны корней. Мастер работает только с концами и основной длиной прядок. Граница перехода между оттенками делается мягкой, едва заметной, так, чтобы тона перетекали друг в друга.

Обратное Ombre

При применении этой технологии колорирования, концы остаются в темном цвете, а вот зона корней высветляется. Результат выглядит эффектно, но так как прокрашиваются растущие корни, будет требовать частой коррекции.

Цветное (креативное)

Особенность способа заключается в использовании сочной палитры оттенков. Прядки колорируются во все цвета радуги, для мелирования применяются дерзкие и необычные тона: апельсиновый, бирюзовый, лазурный.

Мультитональное

Сложный способ, подразумевающий грамотное сочетание большого количества близких друг к другу оттенков. Заметно оживляет и освежает природный цвет, создает эффект объема.

Прикорневое

Идеально для тонких волос, так как помогает зрительно увеличить объем, придать прическе красивую, здоровую пышность. При окраске мастер затемняет область корней, а длина окрашивается в светлые оттенки или остается в своем природном цвете.

Черепаховое

Технически сложный метод, предполагающий многомерное нанесение красителя и точный выбор оттенков. Чтобы получить эффектный результат, при окрашивании прядей колорист будет использовать тона карамельные, золотистые, медные, ореховые, красные. Технология помогает создать не только оригинальный цвет, но и изящные, переливающиеся блики по всей длине.

Контрастное

Для колорирования применяются контрастные оттенки, а граница между ними не растушевывается, а наоборот — делается максимально заметной и четкой.

Брондирование

Дает возможность превращения брюнетки в блондинку, но без вредного обесцвечивания всей шевелюры. Для получения нужного эффекта, мастер осветлит прядки с отступом от корней.

Фото работ 2021

Особенности омбре с учетом длины волос

Для причесок разной длины ombre будет иметь свои особенности.

На среднюю длину

Идеальная база для экспериментов с цветом и техниками. Сложное колорирование подчеркнет структуру стрижки, придаст ей объем, актуальный для удлиненного боба и каре.

На длинные

Длинные локоны позволят создать красивые плавные переливы цвета, эффект от омбре заметнее всего на прическах с длиной ниже лопаток.

На короткую стрижку и каре

Градиент цвета красиво смотрится и на ультракоротких прядях, но потребует мастерства и опыта от колориста.

Оттенки и идеи на темных волосах 2021

Палитра омбре для темных локонов 2021 приятно удивляет своим многообразием и красотой, и насыщенностью оттенков. В тренде пепельные тона, создающие аристократичные, роскошные образы, карамельные оттенки, помогающие освежить и омолодить лицо. Рыжее ombre добавит красок в прическу, а шоколадно-коричневые, каштановые тона помогут сделать природный цвет глубже и выразительнее. Колорирование в гамме блонд создаст эффект выгоревших от солнышка прядок, в нем используют медовые, золотистые, серебристые тона. Результат окрашивания омбре в модных тонах помогут оценить фото, размещенные в статье.

Как ухаживать после окрашивания

После колорирования полезно дополнить уход за шевелюрой курсом из питательных восстанавливающих масок, а обычный шампунь заменить на деликатное средство, поддерживающее яркость пигмента.

Омбре на черных, темных волосах смотрится интересно и ярко, оно освежит и обновит образ. Выполнить мелирование любой сложности всегда готовы мастера нашего салона.

Окрашивание для полных женщин: какой вариант подобрать, чтобы выглядеть идеально | КАРЕ

После прочтения публикации — не забудьте:

— нажать «палец вверх»;

— подписаться на канал, ведь каждый подписчик очень важен для нас.

— оставить комментарий.

Фотоматериал использован из свободного доступа Яндекс и является иллюстрацией мыслей автора

Правильно выбранный цвет очень часто решает, насколько стильным и уместным может быть образ. А еще, цветовая гамма молодит, старит, прибавляет объемы или уменьшает их. Поэтому полным женщинам нужно знать, какие цвета и виды окрашивания им подходят, а каких, наоборот, стоит избегать. В этой статье мы расскажем о цветах, которые под запретом и про окраску, которая подходит дамам с пышными формами.

В первую очередь, это черный и просто слишком темный цвет. Он очень сильно старит, подчеркивает любые недостатки, диссонирует с цветом кожи.

Также не рекомендуется и вторая крайность – обесцвеченные волосы. Пергидрольные блондинки уже и так не в моде, а полным женщинам белые волосы добавляют лишние килограммы. Вообще, цвет волос всегда должен быть темнее цвета кожи, иначе образ смотрится негармонично.

Читайте также: НАРАТИВ — прически которые добавят Вам 10 лет

• Однотонное окрашивание в теплые тона – это хороший выбор. Медовые, шоколадные цвета смотрятся выигрышно. В сочетании с правильной ассиметричной прической, они вытягивают лицо, подчеркивают скулы.

Читайте также: Лунный календарь стрижек на июнь 2019-го года 🌛

• Мелирование – это вид окрашивания, который остается модным многие годы, но, при этом, постоянно претерпевает определенные изменения. Уже давно не в тренде пряди, которые резко отличаются друг от друга по оттенку. Все переходы должны быть мягкими, благодаря этому цвета станут живыми и прическа будет смотреться естественнее. Кстати, мелирование помогает скрыть седину, а если делать окрашивание с бликами, то оно добавит стрижке интересные акценты.

Мелирование подходит для локонов любой длины. Пряди можно делать как короткие, так и длинные, все зависит от цветотипа дамы, ее пожеланий и особенностей выбранного варианта окрашивания.

• Техника омбре в моде уже несколько сезонов. Она быстро завоевала популярность благодаря оригинальному исполнению: темные волосы переходят в яркие кончики и наоборот. Для полных женщин подходит только вариант, когда темный оттенок переходит в светлый. Этот тип окрашивания смотрится очень стильно. Разница между цветами может быть как сильно заметной, так и с мягким переходом.

• Колорирование отличается от омбре тем, что используется не два, а сразу несколько оттенков. Этот тип окрашивания можно назвать самыми выигрышным, поскольку выглядит просто идеально, если подобраны правильные цвета. Поэтому точно не рекомендуется краситься самостоятельно. С таким сложным заданием может справиться только мастер.

Читайте также: Стрижки для женщин за 40 лет : какую короткую прическу выбрать

• Продольное колорирование – оригинальная вариация. Дамам с пышными формами нужно выбирать вертикальные линии, так как они стройнят. А вот поперечные дают обратный эффект.

Эти пять видов окрашивания сегодня в тренде, поэтому выбрав один из них, женщина точно будет выглядеть стильно, модно и очень элегантно.

Авангард в окрашивании и короткая длина: какие стрижки и оттенки волос будут в тренде 2022 года

Работа Алексея Канатьева на конкурсе. ФОТО: предоставлено Алексеем Канатьевым

Зачастую, говоря о профессии парикмахера, люди не считают ее сложной, для большинства это лишь часть сферы услуг. Но на самом деле парикмахерское дело — настоящее искусство, в котором важно иметь творческое видение, устойчивые навыки и даже дипломатические способности. Для чего же? Об этом корреспондент КП-Ярославль узнал от Алексея Канатьева — владельца салона красоты и парикмахера с многолетним стажем.

Ярославский парикмахер — Алексей Канатьев. ФОТО: предоставлено Алексеем Канатьевым

Осень заканчивается, впереди зима, а это значит, что нынешние тенденции и тренды в стрижках, прическах и цвете волос постепенно замещаются новыми, ведь смена любого сезона влечет за собой и смену моды. Мы попросили Алексея рассказать, чего же нам стоит ожидать и что набирает популярность прямо сейчас.

— Если говорить о техниках окрашивания, то в моде амбре и растяжка цвета, то есть его плавный переход от прикорневой зоны к концам. Также стало входить в моду креативное окрашивание – авангард, в котором клиент и парикмахер экспериментируют со всеми яркими цветами, которые только подскажет фантазия. Например, в одной из своих работ я применял перелив от розовых оттенков к желтым, получилось очень красиво.

Модная цветная техника окрашивания. ФОТО: предоставлено Алексеем Канатьевым

Что касается модных цветовых гамм, то тут сложно дать однозначный ответ. Большой популярностью пользуются натуральные оттенки. Если речь идет о рыжем, то на выходе должен получиться золотисто-медный, не кричащий цвет. Что касается формы, то сейчас идет тенденция на каре, причем на ровные концы. А вообще основным трендом сезона стала молодежная мода – street style. Причем пользуется популярностью она не только среди подростков, — рассказал мастер.

Модное окрашивание balayage. ФОТО: предоставлено Алексеем Канатьевым

Помимо новых модных веяний зима несет нам холода, которые могут стать угрозой для здоровья волос. Алексей рассказал, как ухаживать за волосами в период морозов и повышенной влажности.

— Уходовых средств сейчас много, причем доступны они каждому, ведь линейка зачастую включает в себя как экономные варианты, как и премиальные брендовые продукты. Основная проблема, на которую жалуются клиенты в холодное время года – ломкость волос, секущиеся кончики и то, что из-за одежды и шапок волосы часто электризуются. В последнем случае может помочь термозащита. Она применяется перед укладкой, чтобы волосы не пересушивались. Помогут шампуни, маски и бальзамы с эффектом увлажнения и восстановления с помощью керотиновых компонентов. Большим спросом заслуженно пользуются масла для кончиков волос, которые их питают, придают блеск и не дают сечься, — объяснил Алексей.

Модное окрашивание волос airtech. ФОТО: предоставлено Алексеем Канатьевым

Но одинаково ли эффективны профессиональные уходовые средства и то, что нам предлагают в магазинах массмаркета под громкими надписями «10 в 1» и «стопроцентное восстановление ваших волос»? У Алексея на это есть свой ответ:

— Как правило, то, что вы покупаете в магазине без предварительной консультации с мастером, стоит на полках без дела, скапливаясь в огромные склады разнообразных баночек и упаковок, или применяется неправильно. Если же вы посетили салон, то любой уважающий себя мастер порекомендует вам определенный уход, подходящий конкретно вам, и объяснит, как чем пользоваться. Ну, и, конечно, дешевые средства не дадут вам такого эффекта, как профессиональные. Правда, и не навредят. Скорее всего, либо не будет никакого результата, либо будет, но небольшой.

Алексей также согласился поделиться своим опытом работы с клиентами и рассказал, кто чаще решается на кардинальные изменения в своей внешности, и как удается уговорить самых консервативных клиентов сменить имидж.

Модное окрашивание волос total blond. ФОТО: предоставлено Алексеем Канатьевым

— Вообще ярославцы сами по себе довольно консервативны в этом плане. И даже если ко мне приходят женщины с желанием что-то поменять, они зачастую отклоняют мои предложения о том, чтобы покрасить волосы или подстричься покороче. Тогда я стараюсь постепенно переходить к этому. Можно для начала немного осветлить или скрыть контуры у лица. И только потом, возможно, клиентка согласится на что-то новое. А вот подростки почти всегда садятся в кресло и заявляют «мне надоело, хочу все поменять». На кардинальные изменения также часто решаются молодые девушки, у которых что-то произошло в жизни, и он хотят начать что-то вроде нового этапа. Тогда бывает и такое, что длинные волосы обстригаются под каре, а брюнетки красятся в блонд, — рассказал он.

Сейчас моден золотисто-медный, не кричащий цвет. ФОТО: предоставлено Алексеем Канатьевым

Незадолго до нашего разговора Алексей участвовал в конкурсе, посвященном дню парикмахера, в котором он занял второе место, получив звание «колорист года». Для участия команда, состоящая из визажиста, модели, фотографа и непосредственно парикмахера создавала необычный образ, построенный на определенной концепции окрашивания. Эта работа является отличным примером тех тенденций, которые проявляются сейчас и ожидают нас в ближайшее время.

Акриловая Живопись Вне Площади!

(Это руководство было ранее опубликовано в книге Paint Mojo A Mixed Media Workshop Трейси Вердуго, авторское право 2014. Переиздано здесь любезно предоставлено North Light Books и CreateMixedMedia.com.)

Сетка — это представление западного образа мышления, в котором все должно быть «именно таким», жестким и разрозненным. В этом произведении искусства мы собираемся отправиться в путешествие, чтобы отпустить эту жесткую структуру и смело, но неуверенно шагнуть в неизвестность.Почти как только мы создадим эти коробки, мы собираемся «выйти за границы» и уйти от них!

Что вам нужно

• 12 ″ × 12 ″ (30 см × 30 см) фанерная плита или холст
• акриловых красок, любимых цветов, включая титановый белый, золотой металлик и необработанную умбру.
• Клей для коллажей или средний гель
• коллажей (текст, альбомы, изображения из журналов)
• одноразовые перчатки (по желанию)
• кисть
• карандаш
• линейка
• трафареты / штампы
• акварельные карандаши (по желанию)

1.Нарисуйте на доске сетку из двадцати пяти одинаковых квадратов.

На тексте, который говорит с вами, слегка нарисуйте изображение, с которым вы чувствуете себя выровненным. Вы можете использовать один из своих символов или что-то в своем окружении, что говорит с вами. Я использовал акварельный карандаш Derwent для наброска, чтобы он легко сливался, когда я начинал добавлять краску.

2. Смешайте стирку, используя акрил «Титановый белый» и воду. Слегка нанесите кистью на дизайн и вокруг него. Когда вы рисуете, следите за счастливыми моментами.Когда я закрасил белый цвет, слова «радость» и «мухи» выскочили у меня в области сердца птицы. Любовь! Я решил оставить их на виду.

Эти чудесные события будут происходить все чаще и чаще, когда вы чувствуете себя в потоке, и они часто будут определять следующий шаг картины.

Добавьте темный тон в нескольких областях.

3. Соберите элементы коллажа и начните думать о цветовой палитре. Постарайтесь немного ограничить его, чтобы не перегружать себя возможностями.Я остановился на мягких зеленых и пурпурных тонах с оттенком цвета морской волны и золота. Перемещайте их по доске, пробуя разные варианты размещения, пока не будете довольны макетом. Там
нет необходимости оставаться в ящиках. Помните, мы вырываемся! Перекрывайте некоторые элементы, а также подумайте о повторяющихся темах, чтобы соединить элементы вашей картины.

У меня есть несколько изображений и узоров, которые связаны с основным символом птицы. Вы можете их найти? Приклейте изображения на место, используя клей для коллажей или гелевую среду.Сверху нанесите тонкий слой клея. Не беспокойтесь о мелких складках и пузырях. Они добавляют характер, и мы уходим от потребности в совершенстве.

4. Тонкой кистью и краской Raw Umber нарисуйте примерно видимые линии сетки. Теперь должен быть интересный баланс между структурой и более игривым размещением ваших коллажированных элементов.

5. Поместите краски, которые вы выбрали на свою палитру, вместе с белыми и необработанной умброй.Я лично избегаю использования черного для смешивания темных цветов, но вы должны поэкспериментировать, чтобы увидеть, что вам нравится при смешивании цветов.

Начинайте заполнять области красками, свободно и интуитивно. Размещение более темных цветов на фоне света
добавит приятного контраста. Не бойтесь запутаться и определенно выходите за рамки! Вы можете захотеть, чтобы
закрыл некоторые части коллажа и оставил некоторые просматриваемые.

6. Добавьте рисунок по трафарету, чтобы создать больше текстуры и удивления, и повторите рисунок в другом месте.

Используя один из ваших личных штампов из пенопласта, продолжайте накладывать больше цветов, прочесывая некоторые слои рисунками и символами, чтобы показать цвета под ними. Прокрутите пальцами некоторые цвета (одноразовые перчатки не обязательны) и посмотрите, что происходит, когда цвета смешиваются. Старайтесь сохранять отношение любопытства и удивления и не забывайте о тех моментах, когда вы собираетесь впасть в панику или критику.

Шаг 7, деталь

Шаг 7, деталь

7.Ищите способы соединить области, например, бирюзовую краску в левом верхнем углу, слегка намазанную по Необработанной Умбре, чтобы она почти совпадала с коллажированным элементом синего цветка. Или крошечные синие точки, которые я нарисовал от шеи птицы до квадратного листа бумаги с коллажами, который имеет тот же рисунок.

8. Продолжайте искать способы улучшить размещение цветов и добавить целостности вашей картине. Здесь я добавил немного пурпурных и бирюзовых тонов в несколько областей, включая птицу, штамп с пером (больше повторения) и точки, чтобы соединить перо с ловцом снов наверху и закрепить картину ниже.

9. Несколько выделений Metallic Gold для немного привлекательности и добавленный символ бабочки в темной области слева, и пора сказать «Готово»!

(Это руководство было ранее опубликовано в книге Paint Mojo A Mixed Media Workshop Трейси Вердуго, авторское право 2014. Переиздано здесь любезно предоставлено North Light Books и CreateMixedMedia.com.)

Чтобы узнать больше или заказать копию Paint Mojo A Mixed Media Workshop от Трейси Вердуго, щелкните здесь.

Посетите Трейси!

: tracyverdugo.com

блог: artoftracyverdugo.blogspot.com

facebook: facebook.com/tracy.verdugo

instagram: instagram.com/tracyverdugo

Вам также могут понравиться эти статьи:

С «Неистовым равновесием» Хелен Франкенталер вылила красоту на холст: NPR

Посетитель смотрит на картину Хелен Франкенталер Off White Square (1973) в галерее в Саутгемптоне, штат Нью-Йорк.Ю.

Мощный, не так ли? И великолепно. Хелен Франкенталер сделала это в 1973 году — через 20 лет после создания картины, которая сделала шаг вперед в абстрактном экспрессионизме Джексона Поллока.В 1950 году ее поразили веревки и завитки краски, которые Поллок боролся на нерастянутом холсте на полу своего сарая.

«Она поняла, что возможно», — говорит Александр Немеров, автор новой биографии, Неистовое равновесие: Хелен Франкенталер и Нью-Йорк 1950-х годов . «Она никогда не видела такой степени свободы». Она перестала делать аккуратные имитации Пикассо и, по словам Немерова, «создала искусство, которого раньше не делали.»

Вместо того, чтобы связывать, лассо и капать краску а-ля Поллок, Франкенталер вылила лужи сильно разбавленных пигментов на свои необработанные холсты. Разбавленные акриловые краски, пропитанные тканью, окрасили ее в пелену цвета. В 1952 году с Горы и Sea, она совершила прорыв. В картине была «наглая, но мягкая свобода …» — пишет Немеров, — «это чувство искусства выплеснулось наружу».

Хелен Франкенталер, Горы и Море , 1952, Коллекция Фонда Хелен Франкенталер, Нью-Йорк, предоставлена ​​во временное пользование Национальной галерее искусств, Вашингтон, округ Колумбия.С. © 2020 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), Нью-Йорк, Фото любезно предоставлено Национальной художественной галереей, Вашингтон, округ Колумбия.

Я люблю истории происхождения, и искусствовед Немеров рассказывает две хорошие. Маленькая Хелен и ее няня довольно часто ходили в небольшой парк за музеем Метрополитен. Когда пришло время уходить, Хелен настояла на том, чтобы нарисовать мелом линию — «непрерывную, непрерывную», говорит автор — от музея на 82-й улице и Пятой авеню до квартиры ее семьи на 74-й Ист-стрит и Парк-авеню. Это долгая прогулка для маленькой девочки. Особенно наклоняется и вверх-вниз по бордюрам.Но она была полна решимости. Многое вам говорит, не правда ли? Что у нее был сильный дух. А ее семья была богатой — ее отец был судьей Верховного суда штата Нью-Йорк.

(Ее взрослый голос напомнил мне женщин из Ист-сайда, которых я росла, подслушивая их в автобусах между городами в те дни, когда богатые жители Манхэттена пользовались общественным транспортом. Вы сами можете услышать это в моем интервью о ней NPR 1988 года. Редко. Она этого не сделала. дать много.)

Архив: послушайте интервью 1988 года

Итак, владея мелом, Хелен Франкенталер оставила свой след в раннем возрасте.

Хелен Франкенталер, Лестница Иакова, 1957, Музей современного искусства по лицензии SCALA Art Resource, Нью-Йорк. © 2020 Helen Frankenthaler Foundation, Inc. / Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк. скрыть подпись

Вы можете видеть, как ее цвета становились все ярче по мере того, как 1950-е годы продолжались. Но все же они проливаются так легко и свободно. «В состоянии становления», — говорит Немеров. Так что они выглядят незаконченными … незавершенными … как заметки к картине. И красивый. За это ее критиковали. Ларри Риверс, еще один крупный художник того времени, сказал ей, что она недостаточно борется, что жизнь и искусство связаны с борьбой. И подло, Грейс Хартиган, еще одна художница 50-х, пытающаяся оставить свой след в этом мире мачо-искусства (Ли Краснер, Джоан Митчелл, Элейн де Кунинг были другими), однажды сказала, что искусство ее приятеля Франкенталера «выглядит так, как будто оно нарисовано между коктейлями и коктейлями». обед.Спустя годы она извинилась.

У Александра Немерова гораздо более изящный способ описать свет и жизнь на картинах Франкенталера: «Она была наделена способностью изобразить тот момент, когда картина только что стала картиной, но не настолько сильно, что превращается в атрофированное окаменелое воплощение жизни ».

Я обещал вам две истории происхождения. Второе очень похоже на предзнаменование. У маленькой Хелен снова — в дорогой квартире на Парк-авеню — была собственная ванная комната.Ей нравилось сбрызгивать кроваво-красный лак для ногтей своей матери в немного воды в раковине, чтобы наблюдать за узорами, которые он оставляет. Поругали? Наказан? Сомнительно.

Хелен Франкенталер, Эдем, 1956, Коллекция Фонда Хелен Франкенталер, Нью-Йорк © 2002 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), New York, Photo Rob McKeever, любезно предоставлено Гагосяном скрыть подпись

Она была обожаемым ребенком, которому снова и снова говорили, что она особенная. Частные школы. Беннингтон-колледж. Красивая (огромные темные глаза, темные волосы). Большая уверенность. Никаких сомнений в себе, даже в своем искусстве. Также депрессивно, — сообщает Немеров. Ее любимый отец умер, когда ей было 11 лет; ее мать покончила с собой, когда Хелен было 25 лет. «Искусство спасло Елену», — думает Немеров.

На вопрос, о чем эти картины, — говорит биограф, — «тот лирический момент возможности в жизни, который не лишен печали и даже печали».Речь идет о чувстве мира «.

Хелен Франкенталер, Перед пещерами, 1958, Художественный музей Беркли © 2020 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), Нью-Йорк скрыть подпись

Но буйство красок на этой картине 1958 года мне кажется взрывом счастья. Картина взрывается им. Вернитесь к последней работе, Eden. Эти числа — 100. Никаких теорий о них. А вот красные числа в Before the Caves — 173 — это история любви. Она недавно вышла замуж за Роберта Мазервелла, известного абстрактного экспрессиониста первого поколения, такого как Поллок, и они переехали в особняк на 173 Ист 94-й улице.

Книга Александра Немерова Fierce Poise описывает эти отношения, а также более ранние отношения с Клементом Гринбергом — ведущим арт-критиком 50-х годов, который поддерживал ее карьеру и помогал ей. Кроме того, в книге есть лирические и убедительные описания картин, которые она писала. Он заканчивается тем, что Франкенталер находится на пороге огромного успеха и признания, которого она всегда ждала и ждала. Большая ретроспектива в большом музее — Уитни.За два месяца до открытия, на вечеринке по поводу ее 40-летия, подруга сказала, что глаза Хелен «сверкали от чистого возбуждения». На этом биография заканчивается, но Хелен Франкенталер продолжала заниматься искусством всю оставшуюся жизнь. Когда она умерла в 2011 году в возрасте 83 лет, она стала частью пантеона крупнейших художников ХХ века.

Франкенталер за работой в своей студии в 1969 году. Эрнст Хаас / Архив Халтона / Getty Images скрыть подпись

Франкенталер за работой в своей мастерской, 1969 год.

Искусство там, где вы находитесь — это неформальная серия, обычно демонстрирующая предложения в музеях, закрытых из-за COVID-19, или в музеях, которые вы, возможно, не сможете посетить. Это эссе о новой книге является исключением, потому что (полное раскрытие) Хелен Франкенталер — одна из любимых художников эссеиста.

видов красок для вашего проекта — вашего дома. Ваши решения.Наша поддержка — Forbes Home

Плоский или матовый

Плоская или матовая краска, начиная с нижней границы спектра блеска, не имеет блеска. Он предлагает неотражающее гладкое покрытие, которое может скрыть дефекты поверхности, такие как отверстия от ногтей. Она требует меньшего количества слоев, чем краска с более высоким блеском, и ее легче подкрасить.

В нем больше всего пигментов, он наименее дорогой, но он также и наименее долговечный. Он лучше всего подходит для использования в малоизнашиваемых помещениях с низкой посещаемостью, например в спальнях и столовых для взрослых.

Яичная скорлупа

Яичная скорлупа, одна из самых популярных лакокрасочных материалов для внутренних стен, обеспечивает низкий уровень блеска и гладкую поверхность. Его легче мыть, чем плоскую краску, и он с большей вероятностью устойчив к появлению пятен и потертостей, но он все же не так долговечен, как более глянцевые покрытия. Он подходит для помещений со средней активностью, таких как коридоры, столовые и гостиные.

Атлас

Сатиновая краска с мягким блеском и высокой прочностью считается самой универсальной и лучшей краской для внутренних стен.Он противостоит плесени и выцветанию, его легче чистить, чем гладкую поверхность и отделку из яичной скорлупы. Однако на нем могут быть заметны кисть или роликовые маркеры и другие недостатки нанесения, и подкрашивание может быть затруднено. Это характерно для помещений с интенсивным движением, таких как игровые и семейные комнаты, а также для помещений с большой влажностью, таких как кухни и ванные комнаты.

Полуглянцевый

Как следует из названия, полуглянцевая поверхность выглядит блестящей, что обеспечивает большую отражательную способность, чем сатинированная. Он обладает высокой влагостойкостью и является отличным выбором для ванных комнат, кухонь и прачечных.Он также очень прочен для участков с высоким износом. Хотя его относительно легко чистить, на нем легко появляются пятна. В белых и кремовых комнатах полуглянцевая отделка обеспечивает более яркий вид, чем другие виды отделки.

Глянцевый

Поскольку увеличение блеска сопровождается увеличением цены, краски с высоким блеском, вероятно, будут самыми дорогими. Сильный блеск этой отделки слишком силен для стен, но ее высокая долговечность отлично подходит для дверей, шкафов и отделки, а также ее легче всего чистить.Для него требуется больше слоев, чем для других видов отделки, и он, скорее всего, покажет ошибки нанесения.

17 лучших наборов акварельных красок для начинающих и профессионалов

Фото: Kira auf der Heide
Этот пост может содержать партнерские ссылки. Если вы совершите покупку, My Modern Met может получать партнерскую комиссию. Пожалуйста, прочтите наше раскрытие для получения дополнительной информации.

С тех пор, как в 18 веке акварель приобрела широкую популярность, акварель стала любимым произведением художников-любителей и профессионалов.Его портативность делает его идеальным средством для путешествий, позволяя художникам делать наброски на пленэре или быстро воплощать идеи. Но с таким количеством доступных брендов, какие наборы для акварели являются лучшими на рынке? А на что обращать внимание при выборе акварельной краски?

Ищете ли вы кастрюли или тюбики, профессионального или студенческого качества, это определенные технические аспекты, о которых вам нужно знать, когда вы ищете акварельную краску. Конечно, вы всегда можете купить отдельные тюбики или сковороды для любого из упомянутых ниже брендов, заполнив пустую палитру колодца для акварели или пустую жестяную банку для акварели, чтобы сделать свой собственный дорожный набор.Но если вы ищете что-то готовое к работе или просто хотите потратиться на профессиональный набор для акварели, вот некоторые вещи, которые следует учитывать.

Как выбрать лучший набор акварельных красок для ваших художественных нужд

Как и многие другие художественные принадлежности, такие как акриловые краски, акварель бывает двух классов: студенческая и профессиональная. Акварельные краски профессионального или художественного качества обычно сделаны с большим количеством пигментов и имеют более широкий диапазон цветов.В студенческой акварели обычно используется больше синтетических связующих и наполнителей, что снижает стоимость, но они, как правило, менее стойкие.

Если вы новичок или просто хотите испытать свои силы в рисовании акварелью, студенческое качество должно быть в порядке. Вы можете даже не заметить большой разницы, и на вашем кошельке будет легче.

С акварельной краской приятно то, что смешивание означает, что вы можете значительно расширить цветовую палитру, не вкладывая средства в широкий диапазон цветов.Итак, если вы думаете о переходе на краску художественного качества, вы можете начать с 5-10 цветов для тестирования, прежде чем делать более крупные вложения.

Конечно, цвета одного пигмента будут более яркими, чем смешанные цвета, но некоторые художники клянутся, что используют ограниченное количество отдельных пигментов и строят из них. Это действительно будет зависеть от вашего стиля и того, чего вы пытаетесь достичь.

Вы можете заметить, что пигменты, особенно профессиональные акварельные краски, имеют разные цены в зависимости от используемых минералов.Это потому, что некоторые минералы просто встречаются реже и, следовательно, дороже. У студенческой акварели стандартизированные цены, потому что синтетические наполнители заменяют эти редкие пигменты, поэтому вы часто будете видеть слово «оттенок» после названия пигмента — это наполнитель.

Фото: Виктория Билсборо

Стойкость — это стойкость краски к воздействию света и влажности. Во многом это зависит от качества пигментов и количества наполнителя, если таковой имеется, в краске, чтобы сократить расходы.Стойкость также называется светостойкостью, и вы захотите проверить свою этикетку, чтобы увидеть, как каждый цвет оценивается по шкале оценок ASTM (Американское общество испытаний и материалов). Вы ищете здесь I (отлично) или II (хорошо), и у большинства брендов, таких как Winsor & Newton, эта информация также есть в Интернете.

Прелесть акварельной краски заключается в ее способности пропускать свет и создавать размытый эффект. Акварельная краска может быть непрозрачной или прозрачной, и производители обычно пишут на тюбиках или сковородах, если краска непрозрачная.Хотя вы можете разбавить непрозрачные акварели, важно отметить прозрачность, чтобы создать многослойный эффект большинства акварельных картин.

Не знакомы с прозрачностью акварели? У Bluprint есть отличный вводный метод для тестирования вашей краски.

Фото: Bench Accounting

Некоторые акварельные краски проникают в бумагу, создавая «пятно», в то время как другие ложатся на поверхность бумаги, облегчая стирание нежелательных линий губкой или соскабливанием с бумаги.Это действительно сводится к пигменту, и если вы новичок, немного попрактиковавшись, вы начнете понимать, какие пигменты окрашивают. Окрашивание также станет важным фактором при наложении цветов, так как не оставляющие пятен акварельные краски могут стать мутными при смешивании. Попробуйте протестировать свои цвета на белом листе бумаги, чтобы понять, какие цвета в вашей палитре не окрашивают, поскольку это зависит от бренда.

Чаще всего акварель покупают в маленьких тюбиках или в лотках с твердой краской, которые называются тазами.Кастрюли, которые активируются только при прикосновении влажной кистью, отлично подходят для переноски. Поскольку количество пигмента, которое вы можете использовать каждый раз, ограничено, рисовать крупномасштабные проекты немного сложнее, но каждая сковорода будет иметь большое значение.

Тюбики, напротив, заполнены жидкой краской. Это делает его немного более беспорядочным, но более легким для смешивания и рисования в более крупном масштабе. Тем не менее, с тюбиками проще быстро нанести больше краски, так что это может означать, что вам придется покупать краску чаще.Художники также должны быть осторожны, чтобы краска не высохла, поскольку многие бренды плохо переносят постоянное повторное смачивание.

Имейте в виду, что и тюбики, и сковороды продаются по отдельности, поэтому, если вы не уверены, что лучше всего подходит для вас, вы можете смешивать и сочетать, пока не найдете идеальную комбинацию.

Лучшие наборы акварелей для начинающих

Винзор и Ньютон | 16 долларов.79

Cotman — это студенческая линия акварели популярного бренда Winsor & Newton. Cotman — отличный вход в Winsor & Newton, так как синтетические наполнители помогают снизить цены, но при этом качество остается высоким. Линия Cotman выпускается как в кастрюлях, так и в тубах, но нам нравится эта карманная коробка для эскизов за ее портативность. С 12 половинками и кистью у вас будет достаточно, чтобы рисовать на ходу, а крышка коробки дублирует палитру для смешивания.

Raphaël Набор акварельных сковородок для путешествий

Raphaël | 18 долларов.09

Набор акварелей Raphaël Aquarelle для путешествий позволяет художникам рисовать где угодно и когда угодно. Он имеет компактную круглую банку с набором из 10 половинок кастрюль студенческих цветов, а также палитру для смешивания с 12 отделениями на верхней крышке и небольшую кисть. Творцы могут спрятать этот небольшой набор в сумке и использовать его для пленэра живописи, как импрессионисты.

Набор акварельной акварели Sargent Art

Сарджент | 7 долларов.05

Если вы только начинаете заниматься акварелью и хотите больше узнать о теории цвета и смешивании, этот набор для начинающих от Sargent — хороший и доступный вариант. В комплекте 12 тюбиков с акварельной краской, чтобы вам было удобно смешивать цвета.

Ван Гог | 26,29 $ +

Несмотря на то, что они рекламируются как ученические, рецензенты в восторге от качества акварельных тюбиков Ван Гога.«Они хорошо сочетаются и работают со всеми акварельными техниками. Они быстро сохнут, и цвета остаются яркими после высыхания ». Эти акварели также доступны в виде сковородок и поставляются в удобном деревянном или пластиковом футляре для переноски, чтобы с ними было легко путешествовать.

Портативный акварельный набор Kuretake Gansai

Куретаке | 31,12 $

Сделано в Японии, набор Kuretake’s Gansai включает 14 кремовых оттенков. Каждая из этих красок хорошо обработана и обладает большей непрозрачностью, чем европейские и американские акварели, в соответствии с традиционным японским стилем.В прочном пластиковом футляре также есть внутренняя крышка, предназначенная для смешивания красок.

Дэниел Смит | 34,76 долл. США

Daniel Smith — американский бренд акварельных красок, известный своими красками высокого качества. Их вводный акварельный набор из 6 тюбиков — отличный первый набор, если вы хотите перейти на профессиональные акварельные краски, поскольку он позволяет смешивать широкий спектр цветов, прежде чем вкладывать средства в большее количество тюбиков.В набор входят три теплых и три холодных основных цвета из коллекции 240+ Daniel Smith.

Sennelier | $ 38,78

Студенческий набор Sennelier, известный своими высококачественными красками, станет идеальным спутником в путешествии. Поставляется с 24 половинками, поддоном для смешивания и эластичным ремнем для рисования в полевых условиях. Высокая прозрачность означает, что легко создать эффект остекления, а цвета чистые и яркие.

Лучшие профессиональные наборы акварели

Гольбейн | $ 113,75

Сделанные в Японии акварели Гольбейна утверждают, что они «более тонко отшлифованы, чем акварель любого другого художника», оставляя гладкую негранулярную текстуру. Они, как правило, не сохнут в тюбике и имеют широкий спектр ярких и насыщенных цветов, по мнению обозревателей.

Mijello | 81 доллар.50

Золотые акварели Миджелло были созданы с помощью опытных акварелистов, чтобы отразить цвета природы. Этот набор из 12 штук содержит на 60% больше краски, чем стандартные половинки сковороды, и поставляется в красивой металлической коробке с отделкой из розового золота.

М. Грэм | $ 106,79

M.Graham использует мед в качестве добавки, что делает его отличным вариантом для художников, которые предпочитают краску более густой консистенции.Эта профессиональная акварельная краска с высоким содержанием пигментов известна своей большой ценностью.

Винзор и Ньютон | 108,59 долл. США

Если вы предпочитаете работать с лампами и хотите что-то портативное, профессиональный кейс для рисования Winsor & Newton — отличный вариант. В него входят 12 тюбиков профессиональных акварельных красок Winsor & Newton, которые известны своим высоким содержанием пигментов.Дороже, чем другие бренды, Winsor & Newton остается популярным благодаря общему качеству и однородной консистенции.

Набор из французского металла Sennelier

Sennelier | $ 60,36

Популярный среди профессионалов бренд Sennelier использует мед в качестве добавки, облегчающей повторное увлажнение. С этим портативным набором легко путешествовать, а поскольку Sennelier также продает кастрюли по отдельности, вы можете пополнять или добавлять новые цвета по мере необходимости. Один рецензент отмечает: «Они очень быстро реагируют на влажную кисть, быстрее, чем некоторые другие краски, которые я пробовал.Цвета насыщенные, яркие и сильно пигментированные ».

Далер-Роуни | 79,99 долл. США

Набор акварели Daler-Rowney Aquafine состоит из 24 цветов, которые позволяют легко смешивать и деликатно смывать. Его высококачественные пигменты и экономичная цена делают его отличным набором как для студентов, так и для профессионалов.

Schmincke | 148 долларов.94

Известный своим превосходным качеством, Schmincke использует ту же традиционную формулу с 1881 года. Немецкий бренд предлагает огромный выбор из 139 цветов, 112 оттенков которых обеспечивают максимально возможную светостойкость. Один рецензент назвал их «Винзор и Ньютон на стероидах!» и заявляет, что «цвета передают тонкую мягкость, которая, я думаю, похожа на акварели WN, но у Schmincke есть немного больше смелости и плавности, больше вариаций в непрозрачных и полупрозрачных цветах и ​​гораздо больше грануляции в определенных цветах.Если вы предпочитаете сковороды, у них также есть эта опция, как и линейка Akademie Aquarell студенческого класса.

Деревянная коробка акварели художников Утрехта

Утрехт | $ 240,48

Этот красивый набор стоит своих денег для профессиональных художников, желающих побаловать себя. Он поставляется с 18 тюбиками профессиональных акварелей, 4 кистями Utrecht, одним плоским ножом Utrecht, пластиковой палитрой Yasutomo в форме веера с 24 различными лунками, губкой для художников и ластиком.Размещенный в шикарном футляре из букового дерева, он заставит вас немедленно пойти и установить свой мольберт.

Набор акварели Рембрандта

Рембрандт | $ 134,97

Профессиональные акварели Rembrandt, изготовленные тем же производителем, что и Ван Гог, известны своей гладкой текстурой и прозрачностью. Если вам нравится работать слоями и вы хотите потратиться на широкий спектр цветов, их набор из 24 частей станет идеальным набором акварелей для серьезного акварелиста.

Маймери | 449 долларов.99

Акварели Маймери любимы художниками за чистоту, прозрачность и светостойкость. Этот изысканный набор включает 48 половинок кастрюль всех цветов радуги. Для переноски он помещен в жестяную банку, на крышке которой имеется большая зона смешивания для легкого доступа.

Эта статья была отредактирована и обновлена.

Статьи по теме:

10 основных техник акварели, которые должны знать все художники

Лучшие карандаши для рисования для профессионалов и начинающих, которые любят рисовать

13 каналов YouTube, чтобы научить вас рисовать бесплатно

8 лучших наборов цветных карандашей для любителей раскраски и профессиональных художников

В этом пошаговом руководстве показано, как «выращивать» акварельные цветы на бумаге

Понимание фильма Дэвида Хокни «Большой всплеск» — присмотритесь внимательнее

Вам понадобятся:

• лист акварельной или плотной бумаги
• маленькая круглая кисть
• черная акварель или акриловая краска или чернила
• фотоаппарат или компьютер для создания исходного изображения

Хокни взял две недели, чтобы нарисовать всплеск в A Bigger Splash .Он работал по фотографии всплеска и маленькими кистями копировал его формы, оттенки и детали. (Он, вероятно, экспериментировал с мазками и отметками кисти, чтобы найти лучший способ изобразить различные части всплеска).

Шаг 1: Сделайте снимок (или найдите фотографию) мгновенного движения. Это не обязательно должно быть сенсацией. Это может быть муха, кто-то танцует или ночью проносятся автомобильные фары.

Step2: Используйте настройки фильтра на камере или компьютере, чтобы сделать изображение черно-белым.(Это поможет сосредоточиться на деталях и не отвлекаться на цвет.)

Шаг 3: Внимательно посмотрите на детали фотографии. Используя небольшую кисть, посмотрите, сможете ли вы выработать способы использования следов, линий и размываний, чтобы имитировать размытие и другие детали движения.

Добавьте воды в краску или чернила и используйте всю головку кисти для размывания. Аккуратно используйте краску или тушь и кончик кисти для более четких линий, точек и других деталей). Не волнуйтесь, если на то, чтобы понять это, потребуется немного времени — помните, Хокни потребовалось две недели!

Верхний совет: Дэвид Хокни часто использует технику квадрата изображения, чтобы скопировать или увеличить его.Это может помочь сосредоточиться на разных деталях. Нарисуйте сетку поверх исходной фотографии и аналогичную сетку на бумаге. Смотрите по одному квадрату за раз и копируйте детали, которые вы видите в каждом квадрате, в соответствующий квадрат на бумаге.

Материалы и методы

При квадрате размером примерно 2,5 метра (8 футов) A Bigger Splash почти в натуральную величину. Стоя перед ним, мы почти становимся частью картины.

Какие материалы использовал Хокни?

Дэвид Хокни использовал акриловую краску на белом хлопковом холсте, чтобы нарисовать A Bigger Splash .

Акрил — относительно новый тип краски, впервые коммерчески доступный для художников в Америке в начале 1950-х годов. (Он появился в Европе только десять лет спустя). Он растворим в воде и может использоваться густо для непрозрачной поверхности, или путем добавления воды или других средств может использоваться для создания тонких смывок. Прелесть акриловой краски по сравнению с масляной краской в ​​том, что она сохнет намного быстрее, поэтому художникам не нужно целую вечность ждать высыхания участков картины, прежде чем снова работать с ними.

Хокни был одним из первых художников, широко использовавших акрил. Быстро сохнущая, она соответствовала его технике рисования больших плоских участков с последующим добавлением деталей. Он также считал, что быстросохнущая акриловая краска больше подходит для изображения освещенных солнцем чистых пригородных пейзажей Калифорнии, чем медленно сохнущая масляная краска.

Картина Дэвида Хокни Портрет художника (Пул с двумя фигурами) 1972 Кадр из фильма Джека Хазана Большой всплеск 1974
Предоставлено Джеком Хазаном и Дэвидом Мингаем, распространено Британским институтом кино © Buzzy Enterprises Ltd.

Как он это нарисовал?

Обычно, рисуя на холсте, художники натягивают холст на деревянную раму (так называемый подрамник), прикрепляя ее кнопками или скобами. Но чтобы нарисовать Большой всплеск Хокни прикрепил холст к стене.

Он не рисовал сначала изображение на холсте, а рисовал цветные блоки прямо на нем. Чтобы добиться ровной ровной поверхности неба, здания и бассейна Хокни использовал малярный валик, нанося два или три слоя краски так, чтобы она была непрозрачной.Затем он нарисовал несколько деталей, деревья, траву, стул, отражения в окне — и все важные всплески — поверх цветных блоков с помощью небольшой кисти.

Хокни оставил широкую рамку вокруг изображения неокрашенной. (Желтый цвет, который вы видите по краю A Bigger Splash — это необработанный холст.) Эта необработанная граница холста разработана на основе его более раннего стиля сохранения больших областей холста в необработанном виде. Это также предлагает границу поляроидной фотографии, возможно, намекая на то, что он использовал фотографии в качестве источника для картины.Он также оставил узкую полоску необработанного холста на верхнем краю бассейна, который мы можем видеть в деталях ниже.

Деталь A Bigger Splash , показывающая тонкую рамку из необработанного холста вокруг бассейна и детали техники всплеска Хокни

Стиль и вдохновение

В начале и середине 1960-х годов стиль живописи Хокни претерпел изменения.Если мы сравним A Bigger Splash с картиной Хокни, написанной в 1960 году, картины выглядят так, как если бы они были написаны разными художниками. Какие основные отличия по стилю?

Ранняя картина более выразительна и запутана, в ней не используются такие яркие цвета и она более абстрактна по своему стилю.

Не только яркое солнце Калифорнии привело к его новому красочному, смелому и изящному стилю.Хокни постоянно исследует различные возможные способы изобразить окружающий нас мир и смотрит, как это делали другие художники из разных времен и мест. Он видит себя не только художником, но и исследователем.

Я считаю, что проблема изобразить что-то… интересная и постоянная; для этого нет решения.Есть тысяча и один способ сделать это. Нет установленных правил.

Дэвид Хокни

Развитие картин Хокни 1960-х годов демонстрирует ряд стилистических влияний и вдохновений от фотографии до картин старых мастеров.

Фотография

Во многих картинах Дэвида Хокни середины и конца 1960-х годов предметом является сочетание фотографических изображений и наблюдаемых деталей. A Bigger Splash вдохновлен фотографией, которую Хокни нашел в книге о строительстве бассейна, а здание на заднем плане взято с одного из рисунков Хокни, изображающих здания в Калифорнии. Хокни вдохновлялся не только «найденными» фотографиями. В 1967 году он купил свою первую 35-миллиметровую камеру и начал делать фотографии в качестве исходных изображений для своих картин. Для своего портрета коллекционеров произведений искусства Фреда и Марсии Вейсман Хокни сфотографировал пару в их саду.

Дэвид Хокни, Американские коллекционеры (Фред и Марсия Вайсман) 1968 © Дэвид Хокни, фото: Ричард Шмидт, Институт коллекционного искусства Чикаго

Хокни прокомментировал: «Портрет был не только на лицах, он был во всей обстановке.Поскольку сад и коллекция скульптур Вейсмана были так же важны для портрета, как и они, он чувствовал, что нет необходимости рисовать пару с натуры. Сфотографировать пару в их саду как рекорд для работы имело больше смысла. Он также рисовал эскизы, чтобы спланировать композицию.

Хотя Хокни вдохновлен фотографиями, он не ставит своей целью воспроизвести точную копию фотографии на своих картинах. Он считает фотографию полезным помощником в запоминании информации, но не считает, что одной фотографии достаточно.Именно личное видение художника придает картине дополнительную глубину и резонанс, заставляет ее оживать.

Я совершенно убежден, что картина не может исчезнуть, потому что ее нечем заменить. Фотография недостаточно хороша. Это недостаточно реально.

Дэвид Хокни

В 1970-х и 1980-х годах Хокни начал совершенно по-другому использовать фотографии.В таких композициях, как Натан Плавание 1982, он собирал группы фотографий, чтобы сформировать более крупные композиции, которые исследовали несколько точек обзора. В этих работах мы снова видим, как Хокни исследует возможности создания изображений и экспериментирует со способами захвата пространства, времени и движения в неподвижных, двухмерных изображениях.

Дэвид Хокни Натан Плавание Лос-Анджелес 11 марта 1982 г. 1982 композитный поляроид 18 x 30 дюймов 45.7 x 76,2 см. Частное собрание (002)

Египетское искусство

Дэвид Хокни впервые увидел египетское искусство в Британском музее в Лондоне, когда был студентом. В 1963 году, когда ему было 26 лет, он получил заказ от The Sunday Times для поездки в Египет. Эта поездка ознаменовала важный поворотный момент в его живописи: «это были чудесные три недели, я брал не только фотоаппарат, а только бумагу для рисования, поэтому я рисовал везде и все».

В египетской росписи гробниц стилизованные фигуры — обычно изображенные с головами и ногами в профиль и торсом впереди — расположены на плоской поверхности.

Саренпут II на расписной нише в его гробнице
Фото: Даниэль Чёрфёли

Если мы посмотрим на картины, которые Хокни написал после своего путешествия по Египту, мы ясно увидим, что он принял этот египетский подход к изображению.Тщательно разнесенное расположение людей и предметов на плоской поверхности сильно отличается от полной загруженности его более ранних работ.

Живопись эпохи Возрождения

Хокни также во многом вдохновлен старыми мастерами западного искусства. Первой великой картиной, которую увидел Хокни в репродукции, было Благовещение флорентийского художника 15 века Фра Анджелико.

Фра Анджелико Богородица Благовещения 1437–46
CC BY 2.0

Пьеро делла Франческа Крещение Христа 1450-е годы
© Национальная галерея, Лондон

Элегантные формы, сбалансированные композиции и чистые яркие цвета многих картин Хокни 1960-х годов кажутся данью Фра Анджелико и другим мастерам эпохи Возрождения. Ощущение безмятежности и спокойного движения в таких картинах, как American Collectors (Фред и Марсия Вейсман) 1968 и A Bigger Splash , также свидетельствует о влиянии этих более ранних работ.

В портрете родителей Дэвида Хокни он добавляет ряд ключей к своим живописным и литературным героям. Вы можете их заметить?

В зеркале позади того места, где сидят его родители, мы можем разглядеть репродукцию картины. Это картина Пьеро делла Франческа, Крещение Христа , около 1450-х годов. Драпировка также отражается в зеркале работы Фра Анджелико.

Отец Хокни (которому легко надоест сидеть на месте) изображен за чтением экземпляра Art and Photography Аарона Шарфа, отражающего интерес хоккея к фотографии как к исходному материалу, так и к художественной среде.

Если вы посмотрите на тележку позади его родителей, вы увидите дальнейшие подсказки. Книга о французском художнике Шардене, который часто рисовал бытовые сцены, предлагает параллели между домашним сюжетом этой картины и творчеством французского художника. Другие книги на полке указывают на литературную любовь — это шесть томов английского перевода монументального романа Марселя Пруста « A la Recherche du Temps Perdu ».

поп-арт

Я очень хорошо осознаю все, что произошло в искусстве за последние семьдесят пять лет. Я не игнорирую это; Я чувствую, что пытался ассимилировать это в своем искусстве.
Дэвид Хокни

Когда Дэвид Хокни был студентом в Лондоне в начале 1960-х, британский поп-арт был в самом разгаре. Такие художники, как Эдуардо Паолоцци, начали использовать изображения из популярной культуры (например, журналы и рекламу) с 1950-х годов.

Хокни и другие молодые художники Королевского колледжа, включая Полин Боты, Питера Блейка и Дерека Бошира, чувствовали, что то, чему их учили в художественной школе и то, что они видели в музеях, не имело ничего общего с их жизнями или тем, что было для них важно.Они с энтузиазмом занялись рисованием кинозвезд, звезд эстрады и повседневных вещей, которые они видели вокруг себя.

Когда Хокни приехал в Лондон в качестве студента в 1959 году, он почувствовал огромную свободу. Он был гомосексуалистом и, хотя он не был легализован в Великобритании до 1967 года, в Лондоне он почувствовал более либеральное отношение к сексуальности, чем в своем родном городе Бридлингтон.

У других студентов-мужчин на стенах студий висели фотографии девушек-моделей и знаменитостей в стиле пин-ап.Хокни прикрепил фотографии поп-звезды Клиффа Ричарда и даже нарисовал о нем картину: «Кукольный мальчик был отсылкой к поп-певцу Клиффу Ричарду, который был очень привлекательным, очень сексуальным … у него была песня, в которой были слова. «Она настоящая гуляющая, говорящая живая кукла»… Название этой картины основано на этой строке »

Американский поп-арт

Прибыв в Америку в 1963 году, Хокни познакомился с американским поп-артом.Наполненный всеамериканской пиццей, он отражал уверенность и потребительство богатой послевоенной Америки. Как и его британский аналог, американская поп-музыка была вдохновлена ​​внешним видом и языком повседневных изображений, таких как рекламные плакаты и комиксы. Изобразив визуальный мир узнаваемым образом, используя резкие грани и четкие формы, американский поп-арт был полным отходом от живописной раскованности абстрактного экспрессионизма, который доминировал в американском искусстве с начала 1950-х годов.

Мартин Гейфорд

Узнайте больше о том, как Хокни был вдохновлен другими художниками и произведениями искусства из разных культур и времен

Повторное изображение воды

Дэвид Хокни заинтересован в изучении способов перевода реального мира в краски, карандаш или печать.Рисуя бассейны, он был очарован задачей изобразить внешний вид и движение воды. Он рассматривал воду как «интересную формальную проблему», потому что «она может быть чем угодно — может быть любого цвета, она подвижна, у нее нет определенного визуального описания».

В изображениях Хокни бассейнов, садовых оросителей и людей, принимающих душ, мы видим, как он пробует множество различных подходов, техник и материалов, чтобы запечатлеть и визуально описать, как выглядит (и ощущается) вода.

Сравните три изображения воды Дэвидом Хокни

Посмотрите внимательно, как он использовал цвет, отметки и формы, чтобы показать движение и прозрачность воды. Какое изображение выглядит наиболее реалистично? Как вы думаете, Хокни пытался сделать воду реалистичной или наложить что-то еще?

В Портрет художника (бассейн с двумя фигурами) 1972, Хокни сосредоточился на передаче прозрачности воды.

Дэвид Хокни Портрет художника (бассейн с двумя фигурами) 1972 Частная коллекция © Дэвид Хокни Фото предоставлено: Художественная галерея Нового Южного Уэльса / Дженни Картер

Он использовал для этого свет и тень.Очень тонкие слои — или смывки — бирюзово-голубой краски были добавлены к телесным тонам плавающей фигуры, чтобы показать нечеткое движение воды по фигуре. Различные оттенки бирюзового тона также предполагают глубину воды. Обратите внимание на то, как ноги пловца выглядят бледно-розовыми, что заставляет их казаться ближе к поверхности. Тонкие белые линии, нарисованные рыхлым волнистым узором на поверхности бассейна и над фигурой, представляют собой отражение света на волнистой поверхности бассейна.Они также помогают создать видимость прозрачности воды, предполагая, что все, что находится под этой рябью (например, рисунок), находится под поверхностью воды.

Дэвид Хокни
Питер выходит из бассейна Ника 1966
Коллекция Художественная галерея Уокера, Ливерпуль
© Дэвид Хокни Фото: Ричард Шмидт

В Питер выходит из пруда Ника 1966, белые волнистые линии ряби более стилизованы.Но хотя это менее реалистичное изображение, Хокни все же предполагает движение воды. Как и в случае с брызгами в A Bigger Splash , рябь — единственный элемент в картине, который кажется движущимся. Они контрастируют с неподвижностью фигуры и статичными квадратами и прямоугольниками здания и края бассейна.

Брызги воды также очаровали Хокни. Изображение ниже — одна из нескольких работ, на которых изображены мужчины в душе, написанные примерно во время первого визита Хокни в Лос-Анджелес в 1963 году.Душ, как и бассейны, были еще одной экзотической роскошью, которую он ассоциировал с жизнью в Калифорнии.

Американцы все время принимают душ … Для художника интерес к душам очевиден: все тело всегда на виду и движется, обычно грациозно, когда купающийся ласкает собственное тело. Также существует трехсотлетняя традиция изображения купальщицы как объекта живописи. Дома в Беверли-Хиллз казались полными душевых всех форм и размеров … Все они казались мне элементами роскоши… очень неанглийски это!
Дэвид Хокни

Like A Bigger Splash Эти рисунки для душа часто основаны на фотографиях в журналах.

Брызги воды из лейки душа окрашены комбинацией белых потертых следов кисти и ломаных прямых белых линий. Чтобы предложить более плавное движение воды, когда она ударяется о согнутую спину человека и отскакивает от нее, Хокни использовал более длинные элегантно изогнутые линии белого и бледно-голубого цвета.Обратите также внимание на детали небольших полукруглых линий на полу душа, которые представляют собой отражение струй воды, когда они ударяются о плитку. Как и в случае с его картинами в бассейне, плавное движение линий, представляющих воду, контрастирует с прямыми линиями и прямоугольниками фона. (В данном случае кафельная стена и край ковра.) Это подчеркивает движение воды.

Хокни — мастер рисования.Рисует ли или рисует людей, пейзажи — или его домашних собак-сосисок — его изображения убедительны и убедительны. Однако есть одна вещь, с которой у него проблемы … с босыми ногами.

В Человек в душе в Беверли-Хиллз Хокни всегда намеревался добавить растение на передний план, но он наклонил листья еще ниже, чтобы удобно спрятать ноги принимающего душ. На другой из знаковых картин Хокни Мистер и миссис Кларк и Перси , портрете текстильного дизайнера Селии Биртуэлл и ее мужа модельера Осси Кларка, глубокий ворсистый ковер становится еще одним полезным укрытием босых ног! Так что помните: когда вы чувствуете, что изо всех сил пытаетесь сделать что-то правильным в рисунке или картине, это случается с лучшими из нас!

Вдохновляйтесь формами и узорами воды

Узнайте, как художники из коллекции Тейт изображали воду.Используйте их как отправную точку для своего собственного творческого проекта.

Дэвид Хокни всегда интересовался модой.В 1960-х он подружился с британским дизайнером по текстилю Силией Биртуэлл. Он нарисовал и написал множество ее портретов и даже сотрудничал с ней над текстильным дизайном. Хокни также является иконой моды. В 2005 году модный дом Burberry сконцентрировал всю весенне-летнюю коллекцию мужской одежды вокруг Хокни, а в 2012 году его близкий друг модельер Вивьен Вествуд назвала в его честь клетчатую куртку.

Картины Дэвида Хокни также стали источником вдохновения для дизайнеров одежды и тканей.Посмотрите, как модный дом Preen рассказывает нам о коллекции пляжной одежды, вдохновленной A Bigger Splash .

Попробуйте создать свой собственный текстиль в стиле Хокни на основе форм, узоров и цветов движущейся воды

Вам потребуются:

• камера
• карандаш и цветные мелки или краски
• несколько листы обычной бумаги или блокнот для рисования
• лист кальки

Шаг 1. Соберите исходные изображения, чтобы получить идеи из

. Сделайте фотографии и / или сделайте наброски воды.(Это не обязательно должны быть законченные шедевры, а просто грубые рисунки форм, цветов и узоров, которые вы видите в воде).

• Если у вас есть местный парк с прудом или озером, сфотографируйте или зарисуйте рябь и отражения
• Если вы живете у моря (вам повезло!), Сфотографируйте волны и прибой
• Или просто бросьте камешек в таз с водой и сфотографируйте брызги и рябь, которые он производит!

Посмотрите другие изображения воды в коллекции Тейт.

Используйте платформы для обмена изображениями в Интернете, чтобы найти вдохновляющие изображения воды.

Шаг 2: Выберите мотив

Просмотрите исходные изображения. Можете ли вы увидеть какие-либо формы и узоры, которые вам интересны и которые вы бы хотели использовать?

Может помочь вырезать квадрат 10 см x 10 см из простого куска бумаги (так что у вас есть лист бумаги с квадратным отверстием в нем, как в рамке для картины). Поместите это на свои наброски или фотографии и перемещайте, пока не увидите небольшой участок узора, который вам нравится.

Используйте кальку, чтобы набросать контур вашего узора, он станет вашим мотивом.

Шаг 3. Повторите рисунок, чтобы создать дизайн.

Переверните кальку и положите ее на лист бумаги. Обведите карандашом линии вашего рисунка, чтобы перенести изображение на бумагу.

Переместите кальку, снова обведите линии и повторяйте этот процесс, пока не заполните обычную бумагу узором *.
(Необязательно повторять мотив как обычно — попробуйте повернуть кальку или перекрыть рисунок, чтобы получить неожиданный результат.Насколько сложно вы можете это сделать?)

* Если у вас есть инструменты для редактирования изображений на вашем компьютере, вы можете их использовать. Отсканируйте свой мотив и используйте инструменты, чтобы вращать, переворачивать и свой мотив, чтобы создать свой сплошной текстильный дизайн.

Шаг 4. Выберите цвета

Еще раз посмотрите на исходные изображения. Выберите три или четыре цвета. Сделайте образцы этих цветов, используя краску или цветные карандаши, чтобы увидеть, какие цвета сочетаются друг с другом.

Теперь добавьте цвета к вашему дизайну. Вы можете либо заполнить контуры вашего дизайна, либо смыть (или растушевать) цвета абстрактными пятнами поверх повторяющихся мотивов.

Мы хотели бы знать, что вы думаете …

Узнать больше Хокни

Познакомьтесь с художником

В этом видео Дэвид Хокни рассказывает нам, что вдохновляло его продолжать заниматься искусством и вводить новшества с помощью идей и методов на протяжении более 60 лет.

Узнайте больше о жизни и искусстве Хокни

Узнайте больше о жизни Дэвида Хокни; узнать больше о местах и ​​людях, которые его вдохновили; и изучите больше произведений искусства, которые он создал за свою выдающуюся карьеру.

цветовых схем | Как правильно выбрать цветовую комбинацию

Раскрась свой мир смело

Большинство из нас понимают основы цветового круга: от основных и вторичных цветов до того, как определенные цветовые комбинации работают вместе. Однако то, как вы интерпретируете цветовое колесо, может быть намного больше, чем просто умение смешивать и смешивать красный, желтый, синий, оранжевый, фиолетовый и зеленый. Знание различных цветовых схем помогает расширить наши знания о цвете.И это важно для творческих людей, таких как художники и дизайнеры. Ниже художница Патти Моллика разбивает некоторые из наиболее распространенных цветовых схем. Она также быстро демонстрирует, как разные цветовые схемы влияют на одну и ту же композицию, из ее книги How to Paint Fast Loose and Bold . Наслаждаться!

Гармонические цветовые схемы

Хотя приятно экспериментировать с цветовыми схемами, выбирая цвета случайным образом на основе наших индивидуальных предпочтений, существует ряд цветовых комбинаций, известных как гармонические цветовые схемы, которые считаются особенно приятными. Гармонические цветовые схемы состоят из двух или более цветов на цветовом круге, которые имеют определенные отношения, основанные на их положении и расстоянии друг от друга. Прежде чем мы обсудим основы, будет полезно, если вы знакомы с некоторыми из наиболее часто используемых терминов, связанных с цветом:

• Оттенок : цвет, который был осветлен за счет добавления белого.
• Оттенок: Цвет краски, взятой из тюбика, без смешивания.
• Тон: Цвет, который был осветлен или затемнен за счет добавления серого.
• Оттенок: Цвет, затемненный за счет добавления черного.

Когда вы работаете с цветовыми схемами, вам следует подумать об использовании расширенного диапазона каждого цвета. Сюда входят его оттенки, оттенки и тона. Он подарит глазу успокаивающие цвета, которые были осветлены, затемнены или нейтрализованы.Эти варианты также позволяют более экономно использовать более яркие насыщенные цвета для выделения при необходимости.

Если вы хотите работать с цветами по вашему выбору, но не знаете, с чего начать, может быть полезно сделать несколько быстрых цветных набросков. Если вам нужно вдохновение в цвете, сходите в строительный магазин и возьмите несколько цветовых фишек или образцов тех оттенков, с которыми вы хотите работать. Полезно видеть цвета вместе. И вы можете легко изменить свою палитру, добавляя и удаляя цвета по своему вкусу.После того, как вы приняли решение о цветовой палитре, смешайте и смешайте эти цвета, чтобы создать новые оттенки, включая красивые унифицированные оттенки серого и другие связанные вариации. Теперь перейдем к различным цветовым схемам.

Стандартные сочетания цветов

Ниже приведены несколько наиболее часто используемых цветовых схем с примерами картин, созданных с использованием тех же цветовых схем. Аналогичная цветовая схема использует три или более цветов, расположенных рядом друг с другом на цветовом круге.

Монохроматическая цветовая схема использует оттенки, тона и оттенки в пределах одного оттенка или цветового семейства

Трехцветная схема использует три цвета, равномерно распределенные по цветовому кругу.

Дополнительная цветовая схема использует противоположные друг другу цвета на цветовом круге.

Квадратная цветовая схема использует четыре цвета, равномерно распределенные по цветовому кругу.

Тетрадная (или прямоугольная) цветовая схема использует четыре цвета, состоящие из двух дополнительных цветов.

Разделенная дополнительная цветовая схема использует один корневой цвет плюс два цвета, которые находятся по обе стороны от дополнительного основного цвета.

Аналогичная дополнительная цветовая схема использует три аналогичных цвета плюс дополнение среднего аналогичного цвета.

Разработка цветовой схемы

Давайте посмотрим, как создается цветовая схема.

1. Начните с фото ссылки

Используйте эталонную фотографию в качестве трамплина для работы над общим дизайном изображения для более динамичной композиции.Самый важный аспект хорошей картины — это хороший основной дизайн. Если вы пропустите этот шаг, вы просто скопируете именно то, что видите перед собой. И редко природа предлагает наилучшую композицию для удачной картины. Вам часто придется перемещать горы, деревья и все остальное, что ослабляет, а не усиливает вашу композицию.

2. Создайте трехзначный эскиз

Из фотографии создайте трехзначный эскиз. Попробуйте некоторые модификации, которые, по вашему мнению, могут улучшить композицию.В данном случае я хотел, чтобы сарай был более заметным. Итак, я увеличил его и добавил бункер. Я изменил угол наклона холма с горизонтального на диагональный. Таким образом, взгляд зрителя будет направлен прямо к сараю, который является фокусом.

Я снизил высоту холма, потому что почувствовал, что дерево слева добавит интересный силуэт на фоне неба. Полоса зелени на переднем плане казалась отвлекающей, потому что она разделяла передний план на две равные части. Поэтому я превратил его в диагональное темное пятно, чтобы добавить более интересный угол к очень горизонтальному дизайну.

3. Выберите цветовую схему с доминирующими и второстепенными цветами

Когда вы будете удовлетворены эскизом значений, выберите несколько цветовых схем для экспериментов. По часовой стрелке слева показаны цветовые схемы, которые я использовал:

1. Аналог: Зелено-синий
2. Дополнительный: Красный и зеленый
3. Триада: Основные цвета — красный, желтый и синий
4. Аналогичный Дополнительный: Синий и фиолетовый, желтый и оранжевый

Когда работая с цветовыми схемами, будь то на основе личных предпочтений или любой из традиционных схем из отношений цветового круга, лучше всего выбрать один цвет, который будет доминирующим, и использовать остальные цвета в качестве подчиненных.Другими словами, цвета интереснее, когда они используются в неравном количестве. Например, если вы используете дополнительную цветовую схему из красного и зеленого, лучше сделать красный или зеленый доминирующим цветом, а не использовать оба цвета в равных количествах. Это придает картине общее настроение и ощущение. Картина, на которой 50% красного и 50% зеленого не передаст общее настроение так же эффективно, как картина, в которой преобладает один цвет.

Хотите более смелые картины?

Нравится этот урок о цветовых схемах? Ознакомьтесь с остальными техниками и обучающими материалами на видео-семинарах Моллики Техника рисования акриловой краской, быстрая, свободная и жирная и Техника рисования акриловой краской, быстрая, свободная и жирная .Моллика демонстрирует, как создать мощную композицию, какой бы предмет ни был. Благодаря множеству демонстраций, упражнений и советов от начала до конца вы узнаете, как безбоязненно рисовать. Видео можно приобретать индивидуально или бесплатно с членством.

Казимир Малевич. Супрематическая композиция: белое на белом. 1918

Белый квадрат, невесомо плывущий в белом поле, Супрематическая композиция: белое на белом была одной из самых радикальных картин своего времени: геометрическая абстракция без привязки к внешней реальности.И все же картина не безлична: мы видим руку художника в фактуре краски и в тонких вариациях белого цвета. Квадрат не совсем симметричен, и его линии с неточно очерченными линиями обладают способностью дышать, создавая ощущение не границ, определяющих форму, а пространства без границ.

Малевич был очарован техникой и особенно самолетом. Он изучал аэрофотосъемку и хотел, чтобы «Белое на белом» создавало ощущение плавания и превосходства.Белый, как полагал Малевич, был цветом бесконечности и означал царство высшего чувства, утопический мир чистой формы, доступный только с помощью необъективного искусства. Более того, он назвал свою теорию искусства супрематизмом, чтобы обозначить «верховенство чистого чувства или восприятия в изобразительном искусстве»; а чистое восприятие, писал он, требовало, чтобы формы изображения «не имели ничего общего с природой». В 1918 году, вскоре после революции в России, это чувство освобождения носило не только эстетический, но и социальный и политический характер.Год спустя Малевич выразил свое воодушевление в манифесте: «Я преодолел полосу цветного неба. . . . Плавайте в белой свободной бездне, перед вами бесконечность ».

Отрывок из публикации MoMA Highlights: 375 работ из Музея современного искусства, Нью-Йорк (Нью-Йорк: Музей современного искусства, 2019)

Малевич описал свою эстетическую теорию, известную как супрематизм, как «верховенство чистого чувства или восприятия в изобразительном искусстве».«Он рассматривал русскую революцию как проложившую путь к новому обществу, в котором материализм в конечном итоге приведет к духовной свободе. Эта суровая картина считается одной из самых радикальных картин своего времени, но она не безлична; след руки художника видна в текстуре краски и тонких вариациях белого цвета. Неточные очертания асимметричного квадрата создают ощущение бесконечного пространства, а не четких границ.

Этикетка галереи с 2015 года.

В своей серии «Белое на белом» Малевич раздвинул границы абстракции до беспрецедентной степени. Сведя изобразительные средства до их минимума, он не только избавился от иллюзии глубины и объема, но и избавил живопись от ее, казалось бы, последнего существенного атрибута — цвета. Остается только геометрическая фигура, едва отличимая от чуть более теплой белой земли, создавая иллюзию движения из-за ее перекошенного и смещенного от центра положения. Супрематическая композиция: белое на белом с его богато текстурированной поверхностью и нежной кистью подчеркивает материальные аспекты живописи, а его простота предполагает радикальное переосмысление среды.В 1918 году, через год после революции в России, это чувство освобождения воспринималось не только эстетическим, но и социально-политическим. Свое воодушевление Малевич выразил в манифесте, опубликованном в связи с первой публичной выставкой серии в Москве в 1919 году: «Я преодолел подкладку цветного неба .