Покраска 2018: Покраска волос 2018 | HAIR FRESH — Салон красоты Клюква

Содержание

Покраска волос 2018 | HAIR FRESH

Модное окрашивание волос 2018 года действительно удивляет разнообразными оттенками, а также необычными цветами.

И сегодня речь пойдет не только модном окрашивании волос, а также о техниках колорирования и модных оттенках 2018 года. Мы поговорим о том, насколько популярны все виды мелирования, включая колорирование в стиле омбре, сомбре, балаяж, шатуш, и прочее. А также обсудим новые техники окрашивания волос 2018 года.

Мы уже обсуждали с вами модное окрашивание волос 2018 года в подробностях. Более детальную информацию вы можете найти на странице модное окрашивание волос: ключевые тенденции. Ну а пока мы поговорим о самых ярких тенденциях нового сезона, а так же покажем вам фото самых потрясающих вариантов окрашивания.

Мелирование 2018

Мелирование волос по-прежнему в тренде, однако важно учесть, что она немного изменилась за последние несколько лет. В частности актуально создавать натуральное мелирование волос которые смотрятся очень естественно.

Покраска волос 2018

Если говорить о модном мелировании 2018 года, то здесь стилисты рекомендуют обратить внимание на зональное мелирование волос, а также на мелирование на базе блонда. Последнее, кстати, является главным нового сезона. Сегодня рекомендуется сдавать на базе светлого цвета волос самые разнообразные оттенки пепельного блонда, платинового блонда, а также серебристого блонда. В результате получается довольно яркий белый цвет волос, который имеет глубокий насыщенный оттенок.

Балаяж

Сравнительно новая техника окрашивания волос, которая подразумевает тонирование волос в два и более оттенков и пользуется огромной популярностью среди женщин всех возрастов. Балаяж, как правило, выполняют на базе русых или светло-коричневых волос. В этом случае эта техника окрашивания подходит лучше всего. Однако в последнее время балаяж модно выполнять на базе с блонда и темно-каштановых волос.

На базе русых волос актуально выполнять балаяж с помощью таких модных оттенков, как пепельно-русый цвет волос, а также в пепельный блонд или серебристый блонд. По сути это вертикальное окрашивание волос, которое подразумевает частичное тонирование волос от корней до кончиков. Результат получается ярким и насыщенным оттенком волос.

Окрашивание шатуш

Модное окрашивание волос в стиле шатуш это горизонтальное окрашивание волос. В отличие от балаяж, шатуш более яркая и насыщенная методика колорирования. Скорее, она более похожа на омбре или сомбре, поскольку пряди становятся более насыщенными, оттенок до кончиков до корней волос остается нетронутым. Шатуш предпочитают обладательницы каштановых или тёмно-коричневых волос. Зачастую во время окрашивания шатуш мастер использует дополнительное оттенки ввиде блонда, карамельного блонда, молочного блонда и прочее.

Покраска волос 2018

Омбре 2018 года

Многим может показаться, что окрашивание в стиле омбре Уже не актуально. Однако на самом деле стилисты рекомендуют взглянуть на более популярные варианты омбре, которые подразумевают многоступенчатое окрашивание и поэтапное тонирование волос. В частности, сегодня актуально создавать омбре с элементами дополнительного тонирования волос. Сегодня модно окрашивать волосы в стиле омбре, а также сомбре, используя самые разнообразные оттенки блонда. А вот яркое окрашивание в стиле омбре увы не популярно. Стилисты настаивают на более сложных решениях, которые предполагают самые разнообразные вариации тонирования в блонд. Особенно ярко окрашивание в стиле омбре выглядит на базе длинных волос.

Русый цвет волос

Как и многие другие модные оттенки волос, русый занимает одно из главных мест в 2018 году. Обратите внимание на сочетание таких модных оттенков как русо-пепельный, а также русый платиновый блонд. Актуально красить волосы сразу в несколько дополнительных оттенков, чтобы создать глубокий насыщенный цвет. Обратите внимание на русый цвет волос в сочетании с чёрным тоном. Русый цвет волос идеально подойдет обладательницам светлой кожи голубых или серых глаз.

Платиновый блонд

Еще один модный оттенок 2018 года это платиновый блонд. Сделать образ более ярким и необычным помогут дополнительные оттенки блонда, включая серебристый блонд, пепельный блонд, перламутровый блонд. Платиновый блонд отлично подойдет обладательницам светлой кожи и голубых или серых глаз. Актуально также объемное окрашивание волос, которое подразумевает 3D эффект. В результате получается невероятно глубокое и яркое окрашивание волос, которые удивляет необычными красками.

Перламутровый цвет волос

Перламутровые оттенки волос невероятно популярны в 2018 году. Наиболее ярким вариантами считается перламутровый блонд, а также перламутровый карамельный цвет волос. Такие оттенки отлично смотрятся на базе светлой кожи и голубых глаз. Перламутровые оттенки волос также актуально сочетать со всеми базовыми тонами цветами волос. В частности, если у вас русый цвет волос от природы, можно дополнить его перламутровым блондом, или перламутрово-пепельным цветом волос. Для натурального рыжего оттенка идеальным решением станет перламутрово-карамельный.

Рыжие оттенки волос

Рыжий цвет волос в последнее время только набирает свою популярность, в 2018 году стоит обратить внимание на такие оттенки рыжего цвета волос, как молочный шоколад, карамельный рыжий, а также бургунди. Последний, кстати, пользуется огромной популярностью среди женщин после 30 лет. Особенно ярко он выглядит в паре с блондом, а также на базе длинных волос. Насыщенный рыжий цвет волос станет хорошим решением для девушек со светлой кожей и карими или голубыми глазами. Это цвет идеально подходит обладательницам зеленых глаз.

Торговые точки возле Шереметьево к ЧМ-2018 перекрасят в цвета города Химки

https://realty.ria.ru/20170814/408838523.html

Торговые точки возле Шереметьево к ЧМ-2018 перекрасят в цвета города Химки

Торговые точки возле Шереметьево к ЧМ-2018 перекрасят в цвета города Химки — Недвижимость РИА Новости, 02.03.2020

Торговые точки возле Шереметьево к ЧМ-2018 перекрасят в цвета города Химки

Торговые объекты возле аэропорта Шереметьево к чемпионату мира по футболу 2018 года (ЧМ-2018) покрасят в фирменные цвета подмосковного города Химки, рассказали РИА Недвижимость в понедельник в администрации муниципалитета.

2017-08-14T13:43

2020-03-02T10:22

/html/head/meta[@name=’og:title’]/@content

/html/head/meta[@name=’og:description’]/@content

https://cdn23.img.ria.ru/images/sharing/article/408838523.jpg?4088384161583133747

московская область (подмосковье)

россия

Недвижимость РИА Новости

[email protected]

7 495 645-6601

ФГУП МИА «Россия сегодня»

https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/awards/

2017

Недвижимость РИА Новости

[email protected]

7 495 645-6601

ФГУП МИА «Россия сегодня»

https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/awards/

Новости

ru-RU

https://realty.ria.ru/docs/about/copyright.html

https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/

Недвижимость РИА Новости

[email protected]

7 495 645-6601

ФГУП МИА «Россия сегодня»

https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/awards/

Недвижимость РИА Новости

[email protected]

7 495 645-6601

ФГУП МИА «Россия сегодня»

https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/awards/

Недвижимость РИА Новости

[email protected]

7 495 645-6601

ФГУП МИА «Россия сегодня»

https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/awards/

новости — недвижимость, коммерческая недвижимость, чм-2018 по футболу, подготовка к чм-2018, московская область (подмосковье), россия

13:43 14.08.2017 (обновлено: 10:22 02.03.2020)

Покраска Volvo (Вольво) недорого, цена в Москве

Покраска Вольво любой сложности!

На 55% дешевле дилера Volvo

Без потери дилерской гарантии

Работаем без предоплаты!

Гарантия на покрасочные работы 3 года, не на словах, а в договоре!

Оценка стоимости ремонта по ФОТО за 5 минут!

Совершите короткий звонок мастеру: +7 (926) 816-14-51 и убедитесь, что мы лучший сервис в соотношении цена/качество. Пришлите фото поврежденных частей и в течение 5 минут мастер произведет расчет!

Покраска Volvo (Вольво) цена:

Цены на покраску Volvo (сколы и царапины)	Цена, руб от
Неглубокие (без повреждения слоя базовой краски), за один элемент	1000 — 1800
Средние (затронувшие лакокрасочный слой), за один элемент	1500 — 2500
Глубокие (с повреждением металла), за один элемент	3000 — 15000

Покраска Volvo цена (не включает стоимость расходных материалов)	0-50% ремонта, руб от	50-100%, руб от
Бампер	2800 — 3500	3500 — 4800
Переднее крыло	1900 — 2800	4000 — 6500
Заднее крыло	4400 — 8500	6500 — 12000
Заднее крыло(купе)	4200 — 8000	5800 — 10000
Капот	4500 — 6500	5800 — 9800
Крыша	4900 — 8500	6500 — 12000
Дверь	4500 — 7500	7500 — 15000
Дверь(купе)	4800 — 9500	9500 — 20000
Крышка багажника	3500 — 6500	5500 — 10000
Накладка порога	1900 — 2800	2500 — 4500
Мелкие детали	1200 — 2500	1500 — 4500

Почти все компании темнят со сроками и по телефону называют одну цену, а при встрече другую, ремонтируют скрывая дефекты! Наш вектор, по которому вот уже более семи лет развиваемся: честность, последовательность и открытость, чтобы вы остались впечатлены и посоветовали нас своим друзьям и знакомым! Сергей Дюжевмастер

Наш автосервис выполняет полный комплекс покрасочных работ Volvo. Цены на основные услуги:

Выполняемые работы

Покраска Вольво включает такие работы:

Покраска элементов кузова Volvo;
Покраска сколов и царапин Вольво;
Покраска деталей Volvo;
Полная покраска автомобиля Вольво;
Ремонт пластиковых деталей Volvo;
Полное либо частичное окрашивание Вольво;
Полирование лакокрасочного покрытия автомобиля Volvo.

Применяемые технологии

Покраска – осуществляется в специальных камерах, в которых поверхность защищается от попадания на неё пыли и других мельчайших частичек.

Чаще всего покраска Вольво необходима после появления сколов или царапин на автомобиле. Неаккуратная парковка или повреждение дверей при неудачном открытии приводят к небольшим повреждениям: появлению сколов, вмятин, царапин и прочего. Их устранение не занимает много времени и не требует больших расходов.

Почему стоит обратиться к нам

Многие клиенты заказывают покраску Вольво в нашем автосервисе, поскольку сотрудничество с нами имеет такие преимущества:

широкий перечень предоставляемых услуг;
использование передового оборудования и технологий;
высокая квалификация мастеров;
покраска кузовов авто всех марок;
приемлемые цены;
высокое качество предоставляемых услуг;
кратчайшие сроки выполнения покраски.

В нашем автосервисе можно заказать покраску Volvo любой сложности. Обращайтесь! Мы восстановим кузов Вашего автомобиля, он будет выглядеть как новый!

Покраска Вольво по моделям:

120 Series
140 Series
164
240 Series
260 Series
300 Series
440
460
480
66
740
760
780
850
940
960
C30
C70
Laplander
P1800
P1900
S40
S60
S60 Cross Country
S70
S80
S90
V40
V40 Cross Country
V50
V60
V60 Cross Country
V70
V90
V90 Cross Country
XC60
XC70
XC90

Примеры выполненных работ по покраске Вольво

Абразивная очистка, окунание, покраска 100 раз в день

Спрос на прицепы для грузовиков в Европе высокий, будь то седельный полуприцеп или прицеп. В компании System Trailers Fahrzeugbau GmbH в нижнесаксонском Твисте на голландской границе каждый год с конвейера сходит свыше 3 500 прицепов — от 70 до 80 единиц неделя за неделей. Специалист с глубоким пониманием производственных процессов проектирует и производит прицепы по поручению именитых производителей грузовых автомобилей. До недавнего времени покраской шасси занимались сторонние партнеры. «Мы уже давно обсуждали вопрос о том, чтобы самим заниматься нанесением ЛКМ. На нашем производстве мы достигли высокой степени автоматизации и смогли тем самым сократить длительность производственного цикла на 30 %. Единственным слабым местом была производительность при покраске на стороне. И мы хотели решить эту проблему», — поясняет Ральф Зааткамп, руководитель System Trailers Fahrzeugbau. Вместе с тем он понимал, что покраска крупногабаритных частей на условиях подряда — это перспективный рынок в Эмсланде. Поэтому при расчете параметров новой окрасочной линии был запроектирован буферный склад для сторонних заказов, а дочернее предприятие Giga Coating было создано в качестве завода-подрядчика. Проектирование выполнялось при содействии компании Vollert из южнонемецкого Вайнсберга. Специалисты по внутренней логистике тяжелых грузов обладают многолетним опытом и ноу-хау для возведения и запуска окрасочных линий крупногабаритных частей для автобусов, экскаваторов или железнодорожных вагонов и без труда перемещают грузы весом до 50 тонн и более. На производстве компании Giga Coating используются некоторые инновации: «С одной стороны, речь идет о крупногабаритных частях, однако комбинация катафорезного грунтования и окраски методом порошкового напыления в сочетании с большим разнообразием вариантов и пожеланием создания эффективной автоматизированной системы циркуляции стало непростой задачей для нас», — сообщает Йохен Кайнат, руководитель проекта из Vollert. Наряду с производством кранового оборудования и всей системы передвижения материалов фирма Vollert выступила также координатором остальных производителей оборудования: поставщиком пескоструйной техники была компания Wheelabrator, оборудования для нанесения ЛКМ окунанием и печей — компания Afotek, а оборудованием для порошковой окраски занималась фирма Nordson Deutschland.

Предварительная обработка, нанесение ЛКМ окунанием и порошковая окраска по принципу циркуляции

Всё производство компании Giga Coating размещено на площади 60 x 110 м и скомпоновано с возможностью полного цикла циркуляции для многократной окраски. «В связи с различной толщиной материалов мы учитываем разную длительность обработки изделий, поэтому нам было важно, чтобы детали подавались не только автоматически, но и отдельно вручную», — говорит Инго Вильдерманн, руководитель Giga Coating GmbH. Центральный элемент образуют две печи для сушки после катафорезного грунтования и две печи после порошковой окраски, вокруг которых сгруппированы пескоструйная камера, ванны окунания, буферные зоны и камеры порошковой окраски. Семь кранов-манипуляторов с пролетом до 18 м захватывают грузоносители для поперечного перемещения и распределяют их по рабочим станциям. Продольное перемещение обрабатываемых деталей выполняется с помощью стационарных фрикционных приводов. Поэтому в любое время можно отдельно подвинуть вперед одиночные грузоносители. Благодаря буферам между участками можно менять время пребывания изделий в обработке, а при необходимости подтягивать их вперед и опережать отдельные детали. Для обеспечения быстрых и эффективных производственных процессов управляющая техника от Vollert совместно с вышестоящей системой перемещения материалов автоматически сортирует обрабатываемые изделия по продолжительности сушки и формирует оптимальный ход производственных работ. «Еще одна особенность линии в том, что грузоносители проходят через все рабочие станции», — сообщает Йохен Кайнат. «После окраски окунанием грузоносители не меняют, они сопровождают обрабатываемое изделие по всему пути от катафорезного грунтования до печей». Так называемая «свадьба» (соединение грузоносителей с изделиями) на производстве Giga Coating действительно является длительной комбинацией. Непрерывный процесс циркуляции экономит время и упрощает управление грузоносителями.

Предварительная обработка и катафорезное грунтование методом погружения

У компании Giga Coating части прицепов достигают размера 15, 70 м x 2,70 м x 1,50 м. После того, как детали поворачивают на кантователе для удаления остатков абразива, погрузочно-разгрузочный манирулятор Vollert вводит их в последующую циркуляцию. Опорные каркасы с обрабатываемыми изделиями перемещаются в буферы, а там их перенимают два манипулятора для окунания. На расстоянии в 55 метров они обслуживают 12 ванн для предварительной обработки — обезжиривания, мойки и цинкового фосфатирования — до катафорезного грунтования. Они опускают части сверху в ванны, и грузоносители кладут на пол. За счет этого манипулятор может во время обработки этого изделия перемещать следующие. По истечении установленного времени второй манипулятор для окунания автоматически захватывает опорный каркас и доставляет его к следующей ванне, а в конце — к месту для стекания. Для того, чтобы обрабатываемые изделия были полностью загрунтованы, их можно поворачивать и наклонять на манипуляторе.

Находящиеся в воздухе печи Твиста

При проектировании всего производства компания Giga Coating преследовала три цели: окраска 1-го класса покрытия, энергосбережение и экологичность. Для избежания теплопотерь печи находятся в подвешенном состоянии. Так как теплый воздух поднимается наверх и при заезде и выезде изделий уходило бы много тепла, то печи закрыты сверху и по бокам, а эксплуатируются они снизу. Параллельно друг с другом расположены по две печи после катафорезного грунтования и порошковой окраски. Манипулятор завозит обрабатываемые изделия в печи снизу, поднимает части весом до 9 тонн на высоту 10 м и подвешивает грузоносители. Как и при катафорезном грунтовании, он может перемещать другие изделия, пока предыдущее проходит тепловую обработку, обслуживая таким образом параллельно все четыре печи: до четырех грузоносителей в час в зависимости от продолжительности сушки. После обработки в печи после грунтования манипулятор распределяет части прицепа или изделия сторонних заказчиков для остывания по одиннадцати участкам накопителя, до начала перемещения на участок окраски. «После тщательной проверки всех функций мы сделали выбор в пользу совмещенного нанесения катафорезного грунта и порошковой краски, так как за счет этого наше производство более экологично, и в то же время мы достигаем необходимое качество автомобильной покраски», — говорит Инго Вильдерманн. На участок порошкой окраски обрабатываемые изделия снова доставляет манипулятор для печей, обслуживающий не только печи после катафорезного грунтования, но и две печи после порошковой окраски. После этого циркуляция опять заканчивается в 11 буферных местах, откуда разгрузочный манипулятор доставляет готовые окрашенные изделия для погрузки на грузовые автомобили или назад в цикл для многократной окраски.

«Благодаря такой конфигурации линии и оснащению мы достигаем всех целей по качеству и скорости, вместе с тем мы чрезвычайно универсальны для всевозможных вариантов и комбинаций предварительной обработки и покраски», — с радостью сообщает Инго Вильдерманн. Новая линия нанесения ЛКМ компании Giga Coating работает с июня 2018 года. Ограничивающие факторы при производстве седельных прицепов и прицепов System Trailers теперь в прошлом, более того, у завода на сегодняшний день достаточно производственных мощностей для обработки сторонних заказов.

Просмотр PDF

Работы по металлу в Москве на заказ

/ Порошковая покраска

Порошковая покраска

Порошковая покраска (окраска) металла – на сегодня один из самых популярных и эффективных методов формирования покрытия металлических изделий и комплектующих для обеспечения защитных свойств и решения задач по формированию внешнего вида металлоизделий и конструкций.

Принцип технологии порошковой покраски

Порошковая покраска защищает металл от коррозии и обеспечивает презентабельный внешний вид. Плотный защитный слой, получаемый в результате порошковой окраски металла, формируется за счет особой технологии нанесения микрочастиц. Перед нанесением краски, поверхность проходит полный цикл подготовки: состоящий из 5 этапов: 1. Промывка поверхности деталей, 2 Обезжиривание поверхности, 3 Деминирализация водой, 4 Фосфатирование изделий, 5 Сушка изделий.

В процессе окрашивания на очищенную поверхность с отрицательно заряженными частицами, наносятся заряженные от внешнего источника сухие микрочастицы краски. Затем изделие отправляется в специальную печь для обжига – там происходит полимеризация – при температуре 180-220 градусов. В результате образуется монолитная, очень плотная и твердая пленка, обеспечивающая максимальную защиту от внешних факторов, в том числе от коррозии и механического воздействия, что особенно актуально для изделий из металла. Кроме того, покрытие, полученное с помощью технологии порошковой окраски, имеют хороший внешний вид. Краски позволяют не только обеспечивать отличные защитные свойства, но и выглядеть изделиям максимально эстетично, что повышает общую привлекательность готового изделия для потребителя.

Параметры окрашиваемых изделий

Параметры	Значение
Максимальный вес изделия	500 кг
Максимальные размеры изделия	ширина — 500 мм длина -12 500 мм высота — 2800 мм
Толщина покрытия	50-70 мкм

Область применения порошковой покраски

1. Торговое оборудование

2. Холодильная техника

3. Сельхоз и дорожная техника

4. Лифтовое оборудование

5. Общее машиностроение и тд

По сравнению с обработкой жидкими покрытиями, порошковая покраска имеет, по крайней мере, ряд неоспоримых преимуществ.

экологичность, так как порошковые краски не имеют в составе вредных для человека и животных компонентов;
равномерное покрытие изделий высокой сложности;
прочность и долговечность – покрытие, полученное в результате порошковой покраски, имеет высокие защитные и эстетические свойства.
Возможность получать любые оттенки по шкале RAL, а так же любые фактуры

Закажите порошковую покраску металлоизделий в компании Steelmaster и Ваш заказ будет расчитан и выполнен в ближайшем СМЦ в кратчайшие сроки. (гиперссылка на форму заказа)

Заказать звонок Запросить расчет

Новости компании

Покраска деталей кузова

Покраска кузова — это работа профессионалов, ведь самостоятельно заниматься таким делом очень сложно. В нашем центре специалист по кузову проведет общую оценку состояния машины и сообщит, можно ли устранить проблему без 100%-й перекраски. Если ответ положительный, мастер сообщит масштаб услуги и скажет цены.

Изначально проводится очищение от загрязнений участка, который нуждается в окраске. Затем специалист шлифует поверхность, убирает частички лака, грунта и краски, которые могут оказаться преградой для нанесения слоя краски, а также деталь обезжиривают. Если нужно, специалист выровняет микрорельеф за счет шпатлевки, а после загрунтует участок и машина будет направлена в покрасочную камеру.

Во время покраски покрытие наносится дважды. Первый этап — напыляется автоэмаль на деталь, формируя правильную расцветку, а после этого проводится контрольный обход плохо окрашенных участков, лакируется поверхность для того, чтобы придать ей необходимый блеск и глубину цвета. В общей сложности процедура занимает от двух часов, в зависимости от объема работ.

Порядок выполнения полной окраски авто:

Демонтаж элементов, мешающих проведению работ;
Защита узлов, которые не нуждаются в покраске;
Демонтаж элементов для отдельной обработки;
Восстановление геометрии деталей;
Шлифовка поверхностей, удаление частичек пыли, грызи, избавление от коррозии;
Обезжиривание химическим составом;
Нанесение грунтовки, которая защитит от коррозии и усилит адгезию краски;
Шпатлевка кузовной части;
Повторное очищение и обезжиривание поверхностей;
Покраска кузова для формирования цвета;
Сушка деталей перед нанесением лакового покрытия;
Лакировка кузова;
Полировка;
Монтаж деталей и нанесения «жидкого стекла».

Почему именно наш автосервис?

Наш центр предоставляет возможность воспользоваться качественными услугами и получить приятное обслуживание. У нас есть комфортный зал ожидания, а также вы можете присутствовать при выполнении определенных работ. Мы гарантируем, что вы останетесь довольны нашими работами, ведь мы вкладываем душу в каждый шаг. Наши довольные клиенты возвращаются к нам и советуют этот сервис своим знакомым. Именно это и говорит о том, что мы всегда рады обслужить вас и вы точно не пожалеете, что выбрали наш автосервис.

Как подготовить диски к покраске?

Покраска дисков – простая процедура, которую могут выполнить все автовладельцы. Качество работы зависит от того, насколько правильно будет выполнена подготовка поверхности.

Дефекты и способы их устранения

Автомобильные колеса, в том числе и диски, функционируют в сложных условиях, из-за чего на них появляется огромное количество дефектов. Перед покраской их обязательно надо устранить. К таким дефектам относятся: царапины, сколы, устаревшая краска, коррозия. Все эти изъяны можно устранить в домашних условиях. Но, если на колесах ухудшена геометрия, то данную проблему можно решить только в специальной мастерской.

Прежде, чем приступить к порошковой покраске дисков, надо убрать с поверхности старую краску. Для этой процедуры доступно несколько методов:

нагревание. Это самый простой способ, подразумевающий использование строительного фена. Диски нагревают и тщательно чистят шпателем или щеткой. Ни в коем случае не охлаждайте его в холодной воде, из-за такого способа на поверхности диска могут образоваться трещины;
использование химического средства. Современный рынок предлагает большой выбор составов, размягчающих эмаль. После нанесения средства, старая краска с легкостью удалится с поверхности;
пескоструйная обработка – это наиболее эффективный способ, который лучше всего доверить профессионалам. Он позволит избавиться не только от старой краски, но и от следов коррозии.

После того, как старая краска удалена с поверхности, ее надо тщательно выровнять. Первым делом металл надо обработать наждачкой. Для этого возьмите небольшой абразив и затрите им дефекты. В конце возьмите более крупную наждачку и отшлифуйте поверхность. Сколы и царапины, которые не удалось убрать наждачкой, надо обработать шпатлевкой. Ее используют для устранения глубоких царапин.

Еще одним этапом подготовки является обезжиривание и защита резины. Если вы не сняли резину, то закройте ее малярным скотчем, газетой или пленкой. Для обезжиривания примените спирт или бензин.

Завершающей стадией является грунтовка. Она связывает металл и эмаль и тщательно выравнивает поверхность. Специалисты рекомендуют выбирать грунтовку того же производителя, что и краска — это позволит добиться отличного результата.

Покраска дисков в Москве быстро и качественно выполняется в автомобильных мастерских, где работают опытные профессионалы, а также имеется специальное оборудование.

Лучшее искусство 2018 года — The New York Times

Когда дела идут плохо, искусство всегда есть. Он может успокоить и научить вас, а также вооружить новыми инструментами и перспективами, с помощью которых вы сможете взглянуть в лицо миру. В этом году были отличные победители и очевидные проигравшие.

Победитель: История искусства, Обновленная

Одним из самых захватывающих победителей стала история искусства Европы и Америки. Великолепные выставки в трех музеях продвинули новые исследования в областях, которые, казалось, были изучены досконально.Музей Гуггенхайма предлагает новую главу о зарождении современной абстракции в своем нынешнем хедлайнере «Хильма аф Клинт: Картины будущего», представляя работы этого шведского художника и мистика, написанные в 1906-1907 годах. Внезапно самая священная история модернизма — изобретение абстрактной живописи — приобрела женщину-актера, которая на несколько лет опередила почитаемый триумвират Кандинского, Мондриана и Малевича. Радостные картины Аф Клинта с их радикальной палитрой, масштабом и открытостью продвигают абстракцию в будущее. (до 23 апреля)

Еще одна перчатка приземлилась с «Позирующей современностью: черная модель от Мане и Матисса до наших дней» в Художественной галерее Уоллаха Колумбийского университета. Сотрудничая с Музеем Орсе, Валах объединил несколько великих картин (Мане, Базиля, Дега, Матисса и Бирдена) с увлекательными эфемерами, привнося новые подробности о бедственном положении и присутствии чернокожих женщин в жизни Парижа конца XIX века. и искусство, и следуя этой теме через Гарлемский ренессанс в настоящее время.( — 10 февраля. )

В Вашингтоне Смитсоновский музей американского искусства представил «Между мирами: искусство Билла Трейлора» — потрясающую ретроспективу этого когда-то неизвестного гения-аутсайдера (1853-1949), бывшего раба. и фермер-арендатор, который последние десять лет своей неустойчивой жизни провел за рисованием на улицах Монтгомери, штат Алабама. Легкие в своем слиянии повествования и формы изображения Трейлора вызывают воспоминания, резкие и приятные, в тугие силуэты на найденном картоне.Теперь они считаются одними из величайших произведений американского искусства 20-го века, и благодаря великолепному каталогу художник больше не остается неизвестным. Шоу не будет путешествовать, поэтому планируйте поездку в Вашингтон в ближайшее время. ( — 17 марта. )

Проигравший: Метрополитен-музей моргает дважды

Все, кто любит искусство, кроме жителей штата Нью-Йорк, проиграли, когда Метрополитен убедил чиновников Нью-Йорка заменить фразу «плати сколько хочешь». ”С вопиющей обязательной платой в 25 долларов. Этим чрезвычайно богатый Мет принес в жертву одну из своих самых почетных черт: широкую доступность, предлагаемую библиотеками.Проигравший — визуальная грамотность.

Осенью финансовое беспокойство заставило Метрополитен отказаться от восьмилетней аренды Met Breuer за последние три года и переместить отдел современного искусства в свое главное здание. Программа в Met Breuer была на удивление хорошей и улучшалась, но посещаемость была недостаточно высокой. Разумеется, не помогло то, что музей Пятой авеню оставался местом проведения масштабных современных шоу, таких как ретроспектива Дэвида Хокни или недавняя демонстрация подарков от Фонда Souls Grown Deep.

Победитель: снова Ван Гог

Год принес выдающийся фильм о художнике: «У ворот вечности» Джулиана Шнабеля, интимную, атмосферную трактовку последних дней Винсента Ван Гога. Такие попытки редко вызывают доверие, и тем не менее в нынешнем столетии их два, вторым из которых является щедрая фраза Майка Ли «Мистер». Тернер »(2014). «У ворот вечности» несет его звезда Уиллем Дефо, чьим захватывающим действиям способствует его сверхъестественное сходство с художником. Заявленная цель г-на Шнабеля состояла в том, чтобы лишить смысла историю Ван Гога, который обычно изображается как сумасшедший художник, который покончил с собой и умер в безвестности.Фильм дает хорошие аргументы против каждого из этих пунктов, начиная с его простого, бессмысленного стиля. Мы получаем страстного, красноречивого художника, который обожал природу и рисовал ее и имел трогательно созависимые отношения со своим младшим братом Тео. Г-н Шнабель также поддерживает тех, кто утверждает, что Ван Гог не совершал самоубийства, и предполагает, что его убили двое молодых людей, играющих с ружьем.

Победитель: возрождение жанра

Бывший президент Барак Обама и бывшая первая леди Мишель Обама возвысили мрачный академический ритуал — официальный портрет Белого дома — сделав обычное пост-президентское мероприятие примером перемен.Увидев преимущество в обновленной живости фигурной живописи, пара выбрала известного художника Кехинде Вили (для портрета г-на Обамы) и менее известную художницу Эми Шеральд (для портрета г-жи Обамы). Изображений в Национальной портретной галерее более чем достаточно — и тем лучше, что они настолько отчетливые, явно человеческие отходы от окаменелых традиций, которые, если повезет, никогда не будут прежними.

Победители: Граждане Чикаго

Любимая общественная фреска художника Керри Джеймса Маршалла остается на месте.Названный «Знание и чудо», он был введен в эксплуатацию в 1995 году для филиала Леглера Чикагской публичной библиотеки в Вест-Сайде и прославляет библиотеку как источник загадок и чудес для детей. Поскольку профиль Маршалла и его цены растут, городские власти решили продать его на Christie’s, надеясь собрать 10 миллионов долларов для финансирования расширения библиотеки и новой программы паблик-арта. Но с ростом цен растет влияние, и когда г-н Маршалл возразил против продажи своей работы размером 10 на 23 фута, мэр Рам Эмануэль изменил курс.

Проигравший: минимум на аукционе

Британский уличный художник Бэнкси выставил на аукционе Sotheby’s работу, которая полуразрушилась, когда упал молоток, благодаря встроенному в его раму измельчителю с дистанционным управлением. (Он был продан за 1,4 миллиона долларов.) Публика казалась искренне шокированной; тех, кто за подиумом, не так много. Умный трюк Бэнкси наверняка принесет ему сноску в истории аукционов, которая не новичок в трюках (в основном, связанных с ценообразованием люстр). Тем не менее, этот вселил слабую надежду на то, что, если такие уловки станут основным продуктом аукционных домов, серьезные люди могут вернуться к покупке искусства старомодным способом — в галереях.Но еще нет. На следующей неделе все вернулись к безумию, предлагая цены на Хокни и Хоппера.

Holland Cotter

Лучшее на выставке

В 2018 году, который был тревожным с политической точки зрения, мир международного искусства был готов к обеду и был настороже. Художественные ярмарки и аукционы продолжали служить конвейером для инвестиционного капитала. Чирлидинг и знаменитости превратились в беседу. В то же время нарастал дух сопротивления, и были реализованы некоторые важные проекты.

[ Почему мне нравится эта скульптура в Метрополитене ]

Эта огромная выставка, разделенная между двумя бразильскими учреждениями, Художественным музеем Сан-Паулу (известным как MASP) и Фондом Томи Отаке в том же городе , был захватывающим, изменяющим сознание рассказом о том, как глубокое зло — рабство — произвело революцию в полушарии. Шоу закрылось всего за неделю до того, как Бразилия избрала правого популиста Жаира Болсонару, что стало самым радикальным сдвигом в стране со времен военной диктатуры десятилетий назад.Вторая выставка Фонда Охтаке, организованная молодым куратором Пауло Мияда, задокументировала ту кровопролитную раннюю эпоху и в напряженной послевыборной атмосфере казалась подвигом.

2. «Национальный мемориал мира и справедливости»

Созданный Инициативой равного правосудия и расположенный на холме над Монтгомери, штат Алабама, этот памятник расовому насилию представляет собой гигантскую минималистскую скульптуру с максималистским эмоциональным содержанием: Сотни стали На пластинах, составляющих его структуру, начертаны имена многих из 4000 афроамериканцев, линчевавшихся в период с 1877 по 1950 год.Второй сайт в центре города, Музей наследия: от порабощения до массового заключения, переносит историю превосходства белых в настоящее. Вместе они собирают грохот. Вы ушли изменившимся.

3. «Адриан Пайпер: синтез интуиции, 1965-2016»

Эта выставка в Музее современного искусства была одной из самых не связанных с MoMA выставкой, которую я когда-либо видел. 50-летний опрос американской художницы, которая выбрала расизм, женоненавистничество и ксенофобию в качестве своих тем, но при этом отказывается быть определенными ими, заставила музей почувствовать себя местом, наполненным жизнью, а не роскошным, приглушенным содержанием. тот, к которому мы привыкли.

4. «Чарльз Уайт: ретроспектива»

MoMA снова проявил себя с этим обзором художника и рисовальщика, который сделал африканскую Америку своей темой, а формальную красоту — своим средством. У Уайта (1918-79) была рука ангела и ум мудреца. Оба согревают это шоу до 13 января. И оба они были очевидны в двух других ярких моментах сезона: выставке работ в Новом музее современного британского режиссера Джона Акомфраха, родившегося в Гане, и обзора карьеры. в MoMA PS1, драматурга, режиссера и исполнителя иранского происхождения Резы Абдоха, который пролетел через весь международный театр до того, как в 1995 году заболел СПИДом, в возрасте 32 лет.

5. «Зои Леонард: обзор»

Эта выставка прошлой весной в Музее американского искусства Уитни стала уроком силы визуального преуменьшения. Я заранее задавался вопросом, сможет ли суровая, содержательная, глубоко личная работа миссис Леонард околдовать широкие просторы Уитни. Это было так. (Выставка сейчас проходит в Музее современного искусства в Лос-Анджелесе до 25 марта.) Чуть позже в том же году музей пошел на еще один формальный риск — и одержал еще одну победу — с «Pacha, Llaqta, Wasichay: Induine Space, Современная архитектура, новое искусство », шоу, в котором смешаны ремесло, архитектура и перформанс в работах семи молодых латиноамериканских художников (гендерно-нейтральный термин для латиноамериканцев), и представила прекрасного нового куратора Уитни, уроженка Пуэрто-Рико Марсела Герреро.

6. «Ударное железо: искусство африканских кузнецов»

Эта выставка в Музее искусства и культуры Фаулера Калифорнийского университета в Лос-Анджелесе является самой красивой выставкой скульптур года. Он затрагивает бесчисленное множество традиционных применений железа в Африке, и даже обычные предметы выглядят волшебно: серп в форме зверя с щетинистой гривой; мотыга, очищающая сущность слона, весь хобот и уши; посох травника, который преследует стаю крошечных железных птиц толщиной с ткань.(С по 30 декабря. )

7. «На полях пустых дней: пересечение прошлого и настоящего в иранском искусстве»

Эта выставка в Музее искусств округа Лос-Анджелес стала еще одной выгодной авантюрой. Сочетая исторический материал с современным иранским искусством, выставка, по сути, представляла собой критическую историю героев — императора, спортсмена, святого — хотя и не объясняла эту тему. В самом деле, он мало говорил о своих намерениях или своих делах; в галереях почти не было наклеек.Обычно меня раздражало их отсутствие, но здесь, поскольку искусство было настолько сильным, я был захвачен его драматизмом. Спустя несколько месяцев шоу все еще живо в моей памяти.

8. «Фра Анджелико: Рай на Земле»

Самая мечтательная картина итальянского Возрождения в Америке, «Успение и Вознесение Богородицы» Фра Анджелико, спрятана в углу музея Изабеллы Стюарт Гарднер в Бостоне. легко пропустить. Но для этого показа он был поставлен в центр внимания и окружен десятком других картин художника.Намерение состояло в том, чтобы осветить упущенный из виду аспект его работы: его навыки основанного на реальности рассказчика. Но что также проявилось в нашу рассеянную эпоху, так это радикальный характер его духовного хладнокровия.

9. Дерзкое новое крыло

Музей Метрополитен недавно объявил о реконструкции существующих галерей искусства из Африки, Океании и Америки. Реконструкция предоставит возможность точно переназначить глобальную историю, установив межкультурные связи между объектами, старыми и новыми, западными и незападными.Если Метрополитен смело и целеустремленно пойдет по этому пути, он сделает то, что не делал ни один другой энциклопедический музей в этой стране.

10. На пути к новой этике

В прошлом году президент Франции Эммануэль Макрон объявил о своем намерении временно или навсегда вернуть африканские предметы искусства из музеев своей страны в страны их происхождения. Он заказал отчет Savoy-Sarr, чтобы определить механизм реституции. Вскоре после его выпуска он объявил, что первоначальная группа из 26 предметов из музея на набережной Бранли вернется в Бенин (предлагая сделать другие предметы доступными для их родных стран не только посредством реституции, но и посредством выставок, обмена и ссуд).Последствия для музеев, коллекционеров и рынков, как в области африканского искусства, так и за ее пределами, огромны. Впереди фейерверк. Но в конечном итоге реституция — это правильно. Споры вызывают то, как и когда.

После стенаний идет работа. Если 2017 год был годом возмущения искусства, то в 2018 году художники и музеи остановились и серьезно отнеслись к огромным политическим, экологическим и технологическим опасностям, которые ждут нас. Я провел большую часть года в Европе, и там и здесь я увидел новую приверженность построению общего будущего.

1. Fondazione Prada

В этом году итальянская некоммерческая организация, созданная в 1993 году Миуччиой Прада и Патрицио Бертелли, стала одним из выдающихся мировых институтов современного искусства. В своей штаб-квартире в Милане он провел самую важную выставку 2018 года: «Post Zang Tumb Tuuum. Политика художественной жизни: Италия 1918–1943 », детальное отображение того, как фашизм перемещается из маргинальных слоев в центр общества, с помощью 600 произведений межвоенного итальянского искусства Моранди, Де Кирико, Северини и гораздо менее известных имен.

Его нынешняя выставка в стиле барокко, куратором которой является Люк Туйманс, ставит Караваджо рядом с современным искусством, а новая наклонная башня Рема Колхаса представляет собой акры галерейного пространства и дискотеку моей мечты. Оказывается, деньги — это не то, чего следует бояться больше всего в мире искусства; чего нам следует опасаться, так это инерции, и мы должны бороться с ней с помощью инструментов, которыми владеет сама госпожа Прада: дисциплина, строгость, серьезность, стиль.

2. «Делакруа»

В неспокойный год для Музея искусств Метрополитен, у которого появился новый талантливый директор Макс Холлейн; освободить Брейера, его неуспевающего спутника; и опозорила себя новым обязательным допуском — это призрачное шоу чемпиона Франции Романтика сделало все это О.К. (Его первая всеобъемлющая ретроспектива в Северной Америке!) Я мог бы предпочесть пир Делакруа в Лувре, его первую остановку; Метрополитен вынужден обойтись без большинства его крупных работ. Но в обоих музеях возбужденные сцены страсти и империи Делакруа решительно говорят о современных аппетитах и тревогах. (По 6 января)

В видеоинсталляции китайского художника «Азия одна», мучительной трагедии любви и экономики в Гуггенхайме прошлым летом, мы встречаем двух последних людей на автоматизированном заводе — якобы из « будущее », но снято на настоящей фабрике в Шанхае, где рабочие уже не нужны.Каждый их ход записывается, регистрируется и засчитывается; им не терпится соединиться, но они находят человеческие эмоции за пределами своих возможностей. Недавно муниципальное правительство Пекина объявило, что все жители столицы будут отслеживаться и получать постоянные рейтинги, которые могут улучшить или затруднить их повседневную жизнь. Скоро мы все будем работать в Asia One.

4. «Брюс Науман: Исчезающие действия»

Эта ретроспектива, состоящая из двух частей, в Музее современного искусства (до 18 февраля) и MoMA PS1 (до 25 февраля) предлагает мастер-класс в пределе возможностей. тела, границ языка и художественного желания выйти за их пределы.Это также лучшая лебединая песня для его куратора Кэти Халбрайх, бывшего заместителя директора MoMA, которая так много сделала для возрождения связи музея с современным искусством.

5. «Джордж Вашингтон Канова»

Коллекция Фрика наконец получила долгожданное разрешение на расширение на восток, но это был более быстрый переворот: взаймы полномасштабной модели Кановы для потерянного мрамора. статуя первого американского президента в римской юбке, написавшего прощальную речь на итальянском языке.Внушительный, непреклонный, сдержанный, этот гипсовый камень, который Вашингтон произвел на себя как акт тонкого противодействия со стороны самых старых музеев Нью-Йорка.

6. Германия выходит на мировой уровень

Еще до того, как знаменательный отчет Savoy-Sarr поднял температуру в европейских музеях с колониальными владениями, на грандиозной выставке в Гамбурге смело представили новую, более справедливую коллекцию. Это были «Мобильные миры», безумное переосмысление прикладного искусства Роджера М. Бюргеля, в результате которого в Museum für Kunst und Gewerbe были найдены афро-бразильские ткани, китайский фарфор с арабскими надписями и другие транскультурные объекты, уклоняющиеся от логики имперской классификации.

7. «Некоторые из людей, все время» Дэвида Левина

Этим летом, , в Бруклинском музее было представлено одно из первых великих произведений искусства эпохи Трампа, реквием по демократической аутентичности в эпоху вранье. Часовой монолог г-на Левина, исполняемый профессиональными актерами в галереях в течение шести недель, рассказывает о психологическом ущербе от того, что он «фальшивый человек», независимо от того, пишете ли вы марионеточный аккаунт в социальных сетях или поддерживаете кандидатуру в Trump Tower.Я очень сожалею, что не просмотрел его; купить текущий номер журнала n + 1, в котором опубликован сценарий.

8. Избранный народ

Два великолепных шоу, приуроченных к столетию Советского Союза, исследовали мечты и кошмары еврейских художников левого толка и то, что стало с их утопизмом после 1918 года. «Товарищ. Еврей. Мы только хотели рая на земле »в Еврейском музее в Вене, предлагая столетний обзор искусства и литературы еврейских коммунистов от Москвы до ГУЛАГа и в изгнании.А «Шагал, Лисицкий, Малевич», увиденный в Центре Помпиду в Париже и в настоящее время в Еврейском музее в Нью-Йорке (до 6 января), оживленно возобновляет дебаты о новом коммунистическом искусстве в одной революционной академии в Витебске.

9. Дамы из лаборатории

Американский музей народного искусства представил Орру Уайт Хичкок, матрону из Массачусетса, чьи очаровательные изображения грибов и мамонтов были связаны с любовью к ее мужу, Богу и всему земному творению.А до 17 февраля в публичной библиотеке Нью-Йорка есть небольшая петарда в виде Анны Аткинс, любительницы морских водорослей викторианской эпохи, которая вшила цианотипию британских водорослей в первые в мире фотокниги.

10. Килиан Мбаппе

Этому одаренному футболисту всего 19 лет, и он уже самый блестящий французский художник со времен Матисса. Ибо что такое искусство, как не соединение формы и смысла? И что предлагает Мбаппе, в то время как болтуны презирают новую, плюралистическую Европу, которую он воплощает, но возрождают веру в политическую силу красоты? Когда я смотрел, как Мбаппе, такой уверенный в синем, как он мчался и несся к трофею чемпионата мира в этом году, я чувствовал то, что я слишком редко чувствую: чистую надежду на будущее поколение.

Блог Saatchi Art

Новости искусства

16 января, 2019 Автор: Меган Хокама

По мере того, как 2018 год подходит к концу, пора отметить нескольких художников, которые внесли свой вклад в захватывающий год нового искусства. Ниже познакомьтесь с 5 художниками, которые зарекомендовали себя фаворитами в течение 2018 года.

Чтобы получить больше идей, просмотрите наши недавно проданные работы и свяжитесь с нашими кураторами, которые помогут вам найти похожие работы в рамках вашего бюджета.

Мэнди Расин

«Говорящий рококо» Мэнди Расин через Saatchi Art

Мэнди Расин переосмысливает классические произведения искусства, создавая динамичные фигуративные произведения, богатые текстурами, движениями и цветами. Ее эксперименты с разнообразными материалами — углем, акрилом, гипсом, латексом, лаками — позволяют ей представить свой собственный освежающий взгляд на традиционные темы барокко и рококо. Совсем недавно Расин представила свои работы на групповой выставке «Ночь искусства» на Майорке, где она была представлена в журнале Klassik.Ее работы можно найти в частных коллекциях по всему миру, включая Великобританию, Майорку, Португалию, Швейцарию, Японию и Францию. Посмотреть другие работы Мэнди Расин можно здесь.

Анна Мтыкевич

«Погружаясь в природу. II »Анны Мтыкевич через Saatchi Art

Художница из Дублина Анна Матикевич прекрасно передает сложность человеческого выражения и диалога в своих портретных работах. Смелая цветовая палитра и стилистические элементы, использованные в ее работах, символически отображают преобразующий характер различных эмоциональных состояний.Матыкевич выставлял свои работы в различных галереях по всему миру, в том числе в галерее ART UpClose в Нью-Йорке и bio.space 033 в Дублине. Ее работы были представлены в бесчисленных публикациях: Bleaq, Embark Magazine, Borealis Magazine, Aesthetica Artists ’Directory, OOB Magazine, Художественном музее Копелузоса. Посмотреть другие работы Анны Матыкевич можно здесь.

Алек Камминг

«Закатные пальмы» Алека Камминга через Saatchi Art

Работая между Великобританией и Индией, Алек Камминг пишет яркие и игривые абстрактные работы, в которых новаторски сочетаются западные и восточные влияния.Межкультурные повествования вместе с полуузнаваемыми визуальными формами создают динамичные произведения, наполненные любовью и праздником жизни. Камминг стал самым молодым художником, который провел персональную выставку с Британским Советом в Индии, он добился успеха благодаря многочисленным персональным и групповым выставкам, включая выставки в галерее Пола Стюарта в Париже и Dove Street Studios в Норвиче. Работы Камминга хранятся в частных, государственных и корпоративных коллекциях по всему миру: Португалия, Кипр, США, Великобритания.Посмотреть другие работы Алека Камминга можно здесь.

Суан Хан Нгуен

«Весенняя песня» Суан Кхань Нгуен через Saatchi Art

Xuan Khanh Nguyen создает яркие пейзажи, мастерски используя минималистичную, но выразительную цветовую палитру с сказочной атмосферой. Вдохновленный своей родиной Вьетнамом, Нгуен вызывает чувство ностальгии и знакомства в своих работах, визуально передавая эмоции и формы, наблюдаемые из его окружения. Совсем недавно Нгуен представил свои работы на персональной выставке «Регион наследия» в Ханое.Работы Нгуена можно найти в частных коллекциях по всему миру, включая Японию, Таиланд, Францию, Испанию, Норвегию, Грецию, США и Великобританию. Посмотреть другие работы Сюан Кхань Нгуен можно здесь.

Карла Са Фернандес «Любовь к синему №8» Карлы Са Фернандес через Saatchi Art

Карла Са Фернандес, проживающая в Португалии, художник-абстракционист, специализируется на написании крупномасштабных акриловых работ. Ее подлинный подход к изображению своих переживаний и эмоций на холсте вызван ее спонтанными мазками кисти и яркой цветовой схемой.Она участвовала как на национальном, так и на международном уровне с несколькими галереями и корпорациями, включая Eurostars I-hotel в Испании, Smart4Art в Португалии и Fondazione Opera Campana Dei Caduti в Италии. Работы Фернандеса собраны по всему миру: Аргентина, Австрия, Австралия, Япония, Испания, Монако, Португалия, Великобритания, США. Посмотреть другие работы Карлы Са Фернандес можно здесь.

Любите читать обо всем, что связано с искусством? Вы можете получать статьи из Canvas, тщательно отобранные коллекции и рассказы о начинающих художниках прямо на ваш почтовый ящик. Подпишитесь на информационный бюллетень Saatchi Art Newsletter .

Почему некоторые произведения искусства такие дорогие? Объяснил, что рынок произведений искусства оценивается в 63 миллиарда долларов.

На прошлой неделе скульптура Джеффа Кунса 1986 года была продана на Christie’s за 91,1 миллиона долларов, установив новый рекорд самой дорогой работы, проданной живым художником. Скульптура, большой серебристый кролик с отражением, была куплена галеристом Робертом Мнучином, бывшим партнером Goldman Sachs, основателем Mnuchin Gallery на Манхэттене и отцом министра финансов Стива Мнучина, от имени анонимного клиента.

Продажа Кунса, возможно, и стала новым рекордом, но ставки в десятки или сотни миллионов — не редкость в мире искусства. В сентябре на аукционе Сотбис в Гонконге пара картин покойного китайского французского художника Цзао Ву-Ки была продана за 65,1 миллиона долларов и 11,5 миллиона долларов. В 2017 году на Christie’s за 450 миллионов долларов была продана давно утерянная картина Леонардо да Винчи «Salvator Mundi», которая позже стала предметом теории заговора, что сделало ее самым дорогим произведением искусства из когда-либо проданных.Согласно данным Art Basel и ежегодного отчета UBS о мировом рынке искусства, на мировом рынке искусства, который включает в себя галереи, художественные ярмарки и аукционные продажи, в 2018 году было продано 67,4 миллиарда долларов, что на 6 процентов больше, чем в предыдущем году.

Продажи, которые попадают в заголовки газет, как, например, продажа последней скульптуры Кунса, побившей все рекорды, становятся все более обычным явлением и в то же время аномалией в мире искусства. Эти продажи вызваны небольшой группой богатых коллекционеров, которые платят астрономические цены за работы еще меньшей группы художников, которые, в свою очередь, представлены небольшим количеством известных галерей.Между тем, работы большинства ныне живущих художников никогда не будут продаваться с шестизначными или семизначными цифрами, а галереи, которые их представляют, все чаще остаются позади.

Почему искусство такое дорогое?

Если коротко, то в большинстве случаев искусство — нет.

Несколько ныне живущих художников — Кунс, Дэмиен Херст и Яёи Кусама, и многие другие — богаты и известны, но большинство из них нет и никогда не будут ими. Чтобы прорваться на рынок, художнику сначала нужно найти галерею, в которой он будет представлен, что сложнее, чем кажется.Анри Нойендорф, заместитель редактора Artnet News, сказал мне, что галеристы часто посещают выставки выпускников художественных школ, чтобы найти новые молодые таланты, которые они могут представлять. «Эти туфли — первая арена, первая точка входа для многих молодых художников», — сказал он.

MFA обходятся недешево — в 2014 году обучение в 10 самых влиятельных программах MFA стоило в среднем 38000 долларов в год, что означает, что студенту-искусствоведу придется потратить около 100000 долларов, чтобы получить степень, поэтому некоторые галеристы пытаются разнообразить свое представительство. глядя за пределы толпы художественной школы.Но мир искусства остается далеко не разнообразным, особенно в высших эшелонах. Исследование, проведенное в 2014 году коллективом художников BFAMFAPhD, показало, что 77,6 процента художников, которым удается зарабатывать на жизнь продажей своих работ, являются белыми, как и 80 процентов всех выпускников художественных школ.

Christie’s продал свое первое произведение компьютерного искусства «Портрет Эдмонда Белами» за 432 500 долларов. Художественный коллектив Obvious

Художники, которые выделяются на выпускной выставке или в другом месте, могут продолжить показ своих работ на групповых выставках с другими начинающими художниками.Если их работы будут хорошо продаваться, они смогут получить персональную выставку в галерее. Если , то шоу преуспевают, тогда их карьера действительно взлетает.

Работы начинающих художников обычно оцениваются в зависимости от размера и среднего размера, сказал Нойендорф. Картина большего размера обычно будет стоить от 10 000 до 15 000 долларов; работы на холсте стоят дороже, чем работы на бумаге, цена на которые выше, чем на принты. Если художник представлен известной галереей, такой как David Zwirner или Hauser & Wirth, престиж дилера может дать работам приличный скачок в цене, даже если художник относительно неизвестен.Независимо от престижа художника или галереи, дилеры обычно получают 50% от продаж художников.

Но закрытие небольших галерей затрудняет жизнь начинающим художникам, не говоря уже о дилерах, которые их представляют. Согласно прошлогоднему отчету UBS и Art Basel, в 2017 году закрылось больше галерей, чем открылось. Между тем, крупные галереи открывают новые места для обслуживания растущего глобального рынка, и ожидается, что дилеры со всего мира все чаще будут появляться на международных художественных ярмарках, таких как Armory Show и, да, Art Basel.

Олав Велтуис, профессор Амстердамского университета, изучающий социологию в искусстве, связывает закрытие небольших галерей с ростом числа арт-ярмарок. В колонке New York Times за 2018 год Велтуис написал, что эти ярмарки, на которых галереи часто берут плату от 50 000 до 100 000 долларов за выставочную площадь, делают невероятно трудным возвращение мелких галеристов домой с прибылью. Но поскольку ярмарки становятся для богатых коллекционеров предпочтительным способом покупки произведений искусства, галереям ничего не остается, кроме как участвовать.

Галереи меньшего размера, как правило, представляют начинающих художников, что ставит как дилеров, так и художников, которых они представляют, еще в одном невыгодном положении. «Проблема в том, что спрос на искусство неравномерно распределяется между всеми живыми художниками», — сказал мне Велтуис в электронном письме. «Вместо этого многие люди обращаются к небольшому количеству художников. Вот что приводит к росту цен ».

«Рынок искусства функционирует как большая консенсусная маркетинговая машина», — продолжил Велтуис. «Поэтому люди смотрят на сигналы качества.Эти сигналы могут быть, например, тем, что важный куратор говорит о художнике; если у [художника] есть выставки в музеях; если его работы покупают влиятельные коллекционеры. Поскольку все, по крайней мере до некоторой степени, смотрят на одни и те же сигналы, в какой-то момент они начинают соглашаться [в] о том, кто является наиболее желанным артистом ».

Другими словами, работы некоторых художников продаются за миллионы долларов, потому что в мире искусства существует консенсус, что эти работы должны продаваться за миллионы долларов.А поскольку искусство — это «рынок уникальных предметов», добавляет Велтуис, возникает ощущение дефицита, даже несмотря на то, что такие художники, как Джефф Кунс и Дэмиен Херст, выпускают работы в промышленных масштабах.

«Проблема в том, что спрос на искусство неравномерно распределяется между всеми живыми художниками. Вместо этого многие люди обращаются к небольшому количеству художников. Вот что приводит к росту цен ». —Олав Велтуис

Согласно отчету UBS и Art Basel, всего 0,2 процента художников имеют работы, которые продаются более чем на 10 миллионов долларов, но 32 процента из 63 с лишним миллиардов долларов продаж произведений искусства в 2017 году приходятся на произведения, проданные на сумму более 10 миллионов долларов.Анализ, проведенный Artnet в том году, показал, что только 25 процентов художников составили почти половину всех современных аукционных продаж за первые шесть месяцев 2017 года. Только трое из этих художников были женщинами.

«Это определенно хороший пример рынка, где победитель получает все, где доходы и прибыль распределяются крайне неравномерно», — сказал Велтуис. «[В принципе] это не проблема сама по себе. Однако галереям среднего сегмента рынка трудно выжить, и если многие из них закроют свои двери, это плохо для экологии мира искусства.Мы должны подумать о том, как позволить прибылям сверху стечь вниз к середине и низу ».

Кто покупает искусство? Сверхбогатый

Продажа «Salvator Mundi» в 2017 году возобновила дискуссии о роли денег в мире искусства — и даже породила теорию заговора # Resistance о темных деньгах и выборах в резиденцию 2016p. В интервью Financial Times в 2017 году Джорджина Адам, эксперт по арт-рынку и автор книги Темная сторона бума: эксцессы на арт-рынке в 21 веке, объяснила, как возможно, что одна картина может стоить больше денег. чем большинство людей видят в своей жизни.«В наши дни очень богатые люди имеют поразительное количество денег», — сказал Адам. Галерист, проинтервьюированный в своей книге, объяснил это следующим образом: если пара имеет собственный капитал в размере 10 миллиардов долларов и решает инвестировать 10 процентов этого капитала в искусство, это дает им 1 миллиард долларов, на которые они могут купить все картины и скульптуры, которые их душе угодно.

Сейчас коллекционеров больше, чем когда-либо прежде, и эти коллекционеры богаче, чем когда-либо. Согласно книге Адама, либерализация экономики некоторых стран, в том числе Китая, Индии и ряда стран Восточной Европы, привела к буму коллекционирования произведений искусства за пределами США и Западной Европы.Страны Персидского залива также являются горячей точкой для коллекционеров. В результате рынок превратился в то, что писательница Рэйчел Ветцлер описала как «глобальную индустрию, связанную с роскошью, модой и знаменитостями, привлекая расширенный круг сверхбогатых покупателей, которые агрессивно конкурируют за работы известных художников».

Искусство — это не просто предмет роскоши: это инвестиция или, по крайней мере, может быть. Если инвесторы вкладывают деньги с умом, то впоследствии приобретенные ими работы могут стоить намного дороже. Самый известный пример коллекционера / инвестора произведений искусства — Роберт Скалл, магнат такси из Нью-Йорка, который в 1973 году продал с аукциона предметы из своей обширной коллекции, большинство из которых было продано много раз, за то, за что Скалл их купил.Одна картина Роберта Раушенберга первоначально стоила Скаллу 900 долларов в 1958 году. Она была продана за 85 000 долларов.

Цена всего , документальный фильм о роли денег в мире искусства, выпущенный в 2018 году, посвящен драме об аукционе Скалла и ее последствиям. Историк искусства Барбара Роуз, чей отчет об аукционе для журнала New York был озаглавлен «Прибыль без чести», назвала этот аукцион «поворотным моментом» в мире искусства.

«Мысль о том, что искусство выставляется на аукционе, как кусок мяса, была для меня необычной», — сказала Роуз в фильме.«Я помню, что там был Раушенберг, и он был очень возмущен, потому что художники ничего не получили от этого. … Внезапно из-за цен пришло осознание того, что можно зарабатывать деньги, покупая дешево и продавая дорого ».

Совсем недавно финансовый кризис 2008 года стал благом для богатых коллекционеров, которые сожрали работы, выставленные на аукцион их знакомыми, внезапно потерявшими деньги. Деловой руководитель-миллиардер Митчелл Рэйлз и его жена Эмили добавили в свою коллекцию «около 50 работ» в 2009 году, многие из которых они приобрели по абсурдно низким ценам, сообщило агентство Bloomberg в 2016 году.Коллекция семьи Рэйлс сейчас стоит более 1 миллиарда долларов.

«Люди, которые были активными [покупателями] в то время, очень счастливы сегодня», — сказала Bloomberg арт-консультант Сэнди Хеллер. «Эти возможности не представились бы без финансового кризиса».

Художники не обязательно получают выгоду от продажи их произведений искусства на аукционе — по крайней мере, в финансовом отношении. Джефф Кунс не получит денег от рекордной продажи одной из его скульптур на аукционе Christie’s, но предыдущий владелец работы получит, как и галерея.Как отметила искусствовед из New York Times Роберта Смит, цена молотка для скульптуры Кунса — окончательная сумма предложения — фактически составила 80 миллионов долларов. Помимо этого, 11,1 миллиона долларов были вырезаны аукционным домом, поэтому скульптура была продана за 91,1 миллиона долларов.

Всего за шесть месяцев до продажи Кунса «Портрет художника (бассейн с двумя фигурами)» Дэвида Хокни был продан за 90,3 миллиона долларов, что на тот момент было самой высокой ценой, которую когда-либо платили за работу живого художника.Но, как и скульптура Кунса, цена за молоток за картину Хокни на самом деле составляла 80 миллионов долларов — по данным Times, разница в цене между двумя работами является результатом того, что Christie’s увеличил гонорары покупателям в феврале.

Высоко ценимое произведение искусства — это предмет роскоши, инвестиция и, в некоторых случаях, средство, благодаря которому сверхбогатые могут избежать уплаты налогов. До недавнего времени коллекционеры могли использовать лазейку в налоговом кодексе, известную как «подобный обмен», которая позволяла им откладывать налоги на прирост капитала с определенных продаж, если прибыль, полученная от этих продаж, была вложена в аналогичные инвестиции.

В случае продажи произведений искусства это означало, что коллекционер, который купил картину за определенную сумму денег, скажем, 1 миллион долларов, а затем продал ее за 5 миллионов долларов через несколько лет, не должен был платить налог на прирост капитала, если они перевели эти 4 миллиона долларов на покупку другого произведения искусства. (Республиканский законопроект о налогах устранил эту льготу для коллекционеров произведений искусства, хотя он продолжает приносить пользу застройщикам.)

Ассистент галереи рассматривает картину турецкой художницы Фахрелниссы Зейд под названием Towards a Sky , проданную за 992750 фунтов стерлингов на Sotheby’s Middle Eastern Art Week в Лондоне в апреле 2017 года. Агентство Анадолу / Getty Images

Коллекционеры также могут получать налоговые льготы, жертвуя экспонаты из своей коллекции музеям. (Вот где покупка по низкой цене и пожертвование по по высокой действительно выгодно, поскольку благотворительный вычет будет учитывать текущую стоимость работы, а не сумму, которую коллекционер изначально заплатил за нее.)

Дженнифер Блей Стокман, бывший президент Guggenheim и один из продюсеров The Price of Everything , рассказала мне, что галереи часто требуют от коллекционеров, которые покупают новые работы известных художников, чтобы в конечном итоге сделать их доступными для публики.

«Многие галереи сейчас настаивают на том, что они не будут продавать работу частному коллекционеру, если они либо купят вторую работу и не передадут ее музею, либо не пообещают, что работа в конечном итоге будет передана музею», — сказала она. Эти соглашения не имеют юридической силы, но коллекционеры, которые хотят сохранить хорошую репутацию в галереях, обычно держат свое слово.

Произведения художников не обязательно должны попадать в государственные музеи, чтобы их могла увидеть публика.За последнее десятилетие все большее число сверхбогатых коллекционеров произведений искусства открывают частные музеи, чтобы продемонстрировать приобретенные ими работы. В отличие от государственных музеев, которым мешают относительно ограниченные бюджеты на приобретение (например, бюджет Лувра на 2016 год составлял 7,3 миллиона евро), коллекционеры могут покупать практически любые работы для своих частных музеев при условии, что у них есть деньги. А поскольку эти музеи якобы открыты для публики, они имеют множество налоговых льгот.

«Богатые покупают искусство», — заявила художественный писатель Джули Баумгарднер в редакционной статье Artsy. «А супербогатые делают музеи».

Когда работы продаются за миллионы долларов, получают ли художники выгоду?

С материальной точки зрения художники получают выгоду от продаж только тогда, когда их работы продаются на первичном рынке, то есть коллекционер покупает работы в галерее или, что реже, у самого художника. Когда работа продается на аукционе, художник не получает никакой выгоды.

На протяжении десятилетий художники пытались исправить это, борясь за получение гонорара за произведения, проданные на вторичном рынке.Например, большинство писателей бессрочно получают гонорары от продажи книг. Но как только художник продает работу коллекционеру, коллекционер — и аукционный дом, если применимо, — единственный, кто получает выгоду от продажи этой работы позже.

В 2011 году коалиция художников, в том числе Чак Клоуз и Лэдди Джон Дилл, подала коллективные иски против Sotheby’s, Christie’s и eBay. Ссылаясь на Закон Калифорнии о роялти за перепродажу, который дает право жителям Калифорнии, которые продают работы в любой точке страны, а также любому визуальному художнику, продающему свои работы в Калифорнии, получать 5 процентов от цены любой перепродажи своей работы, превышающей 1000 долларов, художники утверждали. что eBay и аукционные дома нарушили закон штата.Но в июле федеральный апелляционный суд встал на сторону продавцов, а не художников.

Стокман сказал мне, что даже если художники не получают прибыли от этих продаж, иногда они могут извлечь выгоду и другими способами. «Художники действительно выигрывают, когда их работы хорошо продаются на аукционах, потому что в этом случае повышаются первичные цены», — сказала она. «Однако, когда произведение продается на аукционе или на вторичном рынке, художник вообще не получает [финансовой] выгоды, и это, я знаю, очень пугает и расстраивает многих художников.”

Искусство для всех

Взятые вместе, эти факторы рисуют тревожную картину: доступ к искусству, похоже, все больше концентрируется среди сверхбогатых. По мере того как богатые становятся богаче, коллекционеры платят все более высокие цены за работы горстки ныне живущих художников, оставляя начинающих художников и галереи, которые их представляют. Тогда возникает вопрос, кто вообще станет художником . Художественная школа стоит дорого, и получение MFA автоматически не приводит к финансовому успеху в такой конкурентной отрасли.

«Попай» Джеффа Кунса был куплен за 28 миллионов долларов миллиардером, магнатом казино Стивом Винном в 2014 году. Эммануэль Дананд / AFP / Getty Images

Есть некоторый отпор этой концентрации рынка на самом верху — или даже идее, что искусство недоступно для обычного человека. Эмили Каплан, вице-президент Christie’s по послевоенным и современным продажам, сказала мне, что дневные распродажи аукционного дома открыты для публики и часто включают работы, которые стоят намного дешевле, чем можно было бы подумать в заголовках.

«Christie’s может казаться устрашающим именем для многих, но большинство наших продаж продаются по гораздо более низким ценам, чем то, о чем сообщается в новостях», — сказал Каплан. «У нас много продаж, которые происходят в течение календарного года в разных местах, особенно в послевоенном и современном искусстве. … Работы можно продать за пару сотен долларов, за одну, две, три тысячи долларов. Это намного меньший диапазон, чем люди ожидают ».

Доступные художественные ярмарки, на которых обычно продают искусство за несколько тысяч долларов, — еще одна альтернатива для людей, которые хотят покупать произведения искусства, но не могут потратить миллионы на одну скульптуру.Ярмарка искусства Superfine, основанная в 2015 году, позиционирует себя как способ познакомить людей с искусством. Соучредители Джеймс Мийле и Алекс Митоу говорят, что ярмарка — это реакция на завышенные цены, которые они увидели на верхнем сегменте «изолированного» арт-рынка.

«Мы увидели разрыв на арт-рынке между художниками и галереями с потрясающими работами, которым нужно продавать их, чтобы выжить, и людьми, которые любят искусство и могут себе это позволить, но не чувствовали себя частью игры», — сказал мне Митов. в электронном письме. «Большинство сделок на рынке искусства на самом деле происходит на уровне менее 5000 долларов, и это то, что мы рекламируем: движение настоящего искусства настоящими живыми художниками, которые строят устойчивую карьеру, не обязательно выдающимися художниками-суперзвездами с рекордами продаж, которые недостижимы для средний — при равной квалификации — художник.”

Помимо проведения ярмарок в Нью-Йорке, Лос-Анджелесе, Майами и Вашингтоне, округ Колумбия, Superfine продает свои работы через свою «электронную ярмарку». Так же, как и на более традиционных ярмарках искусства, таких как Art Basel, Superfine взимает с художников или галеристов фиксированную плату за выставочную площадь, хотя ставки Superfine намного ниже.

Несмотря на эти усилия по демократизации искусства, рынок в целом все еще находится в привилегированном положении по отношению к, ну, очень привилегированным. Меценатство всегда было хобби для очень богатых, и это не изменится в ближайшее время, но возможность смотреть на красивые вещи не должна ограничиваться теми, кто может позволить себе их покупать.

Подпишитесь на рассылку «Товары». Дважды в неделю мы будем присылать вам лучшие истории о товарах, в которых рассказывается, что мы покупаем, почему мы это покупаем и почему это важно.

картин Дэвида Хокни заработали рекордные 90,3 млн долларов для живого художника | Дэвид Хокни

Поговорим о том, чтобы произвести фурор. Дэвид Хокни стал самым уважаемым из ныне живущих художников после того, как одна из его самых известных картин с бассейном была продана на аукционе в Нью-Йорке за 90,3 миллиона долларов (70,3 миллиона фунтов стерлингов).

«Портрет художника» («Пул с двумя фигурами») был раскуплен после девяти минут жарких торгов на Christie’s в четверг, побив предыдущий рекорд живого художника, принадлежавший компании Джеффа Кунса «Собака-воздушный шар» (оранжевый), проданной за 58 долларов.4 м в 2013 году.

81-летний уроженец Йоркшира Хокни написал эту картину в 1972 году как одну из серии работ, вдохновленных плавательными бассейнами. На нем изображен элегантно одетый мужчина, стоящий у края бассейна, в то время как другой мужчина плавает под водой.

Первый мужчина изображает бывшего возлюбленного и музу Хокни Питера Шлезингера, который был одним из его студентов в Калифорнийском университете в Лос-Анджелесе. Пара рассталась годом ранее, и считается, что пловец может стать новым любовником Шлезингера.

Christie’s не раскрыл личности покупателя или продавца, но Bloomberg и веб-сайт Artnet сообщили, что картина принадлежала базирующемуся на Багамах британскому валютному торговцу Джо Льюису, чья компания владеет футбольным клубом Tottenham Hotspurs.

Аукционисты принимают ставки на картину в аукционном доме Christie’s в Нью-Йорке. Фотография: Дон Эммерт / AFP / Getty Images

Необычно то, что он решил продать картину без резерва, а это означало, что торги можно было начать с 1 доллара.В итоге начальная ставка составляла 18 миллионов долларов.

Аукционный дом продвигал картину как «один из величайших шедевров современной эпохи» и «святой Грааль» работы Хокни, оценив ее стоимость в 80 миллионов долларов.

«Мы редко можем сказать:« Это единственная возможность купить лучшую картину у художника ». Вот и все, — сказала перед продажей Ана Мария Селис, вице-президент Christie’s по послевоенному и современному искусству.

Картина, описанная на веб-сайте Хокни как «особенно трудоемкая и эмоционально мучительная», изначально была вдохновлена в 1971 году двумя фотографиями на полу.«На одном была фигура, плывущая под водой и, следовательно, весьма искаженная… на другом — мальчик, смотрящий на что-то на земле», — вспоминал позже художник. «Идея нарисовать две фигуры в разных стилях настолько понравилась, что я сразу же начал писать».

Ранняя версия была уничтожена после нескольких месяцев переделки, но в 1972 году он вернулся к этой идее, сделав серию фотографий на вилле в Сен-Тропе, которые он переделал в своей лондонской студии в двухнедельной безумной 18-часовой работе. дней, в окончательную версию.Он закончил его за ночь до того, как его должны были перевезти в галерею Андре Эммериха в Нью-Йорке.

Хокни позже сказал: «Должен признаться, мне нравилось работать над этой картиной, работать с такой интенсивностью; это было чудесно делать это, действительно захватывающе ».

Работа изображена на обложках ряда монографий об этом художнике и была частью ретроспективы блокбастера Tate Britain в прошлом году, приуроченной к 80-летию Хокни.

Живущий в Калифорнии художник показал серию портретов в Королевской академии в 2016 году.

Хотя цена Хокни является рекордом для живого художника, она намного меньше суммы, уплаченной в прошлом году за картину Леонардо да Винчи Salvator Mundi, купленную за 450,3 миллиона долларов.

Первое произведение искусства, созданное искусственным интеллектом, поступившее на аукцион

Произведения искусственного интеллекта продаются за 432 500 долларов, что почти в 45 раз превышает его высокую оценку, поскольку Christie’s становится первым аукционным домом, предлагающим произведение искусства, созданное с помощью алгоритма.

На портрете в позолоченной раме изображен дородный джентльмен, возможно, француз, и, судя по его темному сюртуку и простому белому воротничку, человек церкви.Работа кажется незаконченной: черты лица несколько нечеткие, на холсте есть пустые участки. Как ни странно, вся композиция немного смещена на северо-запад. Наклейка на стене гласит, что сидел мужчина по имени Эдмонд Белами, но ключ к разгадке происхождения работы — подпись художника внизу справа. Курсивным галльским шрифтом он читается так:

Однако этот портрет не является продуктом человеческого разума.Он был создан искусственным интеллектом, алгоритмом, определяемым этой алгебраической формулой с ее многочисленными круглыми скобками. И когда он ушел с молотка на аукционе Prints & Multiples на Christie’s 23-25 октября, Portrait of Edmond Belamy был продан за невероятные 432 500 долларов, что знаменует появление искусственного интеллекта на мировых аукционах.

Портрет Эдмонда Белами , 2018, создано GAN (Generative Adversarial Network).Продан за 432 500 долларов 25 октября на Christie’s в Нью-Йорке. Изображение © Obvious

Картина, если это правильный термин, является одним из группы портретов вымышленной семьи Белами, созданной Obvious, парижским коллективом, состоящим из Уго Казель-Дюпре, Пьера Фотреля и Готье Вернье.Они занимаются исследованием взаимодействия между искусством и искусственным интеллектом, и их метод известен под аббревиатурой GAN, что означает «порождающая противоборствующая сеть».

«Алгоритм состоит из двух частей», — говорит Казель-Дюпре. «С одной стороны — Генератор, с другой — Дискриминатор. Мы загрузили в систему набор данных из 15 000 портретов, написанных в период с 14 по 20 век. Генератор создает новое изображение на основе набора, затем Дискриминатор пытается определить разницу между изображением, созданным человеком, и изображением, созданным Генератором.Цель состоит в том, чтобы обмануть Дискриминатора и заставить его думать, что новые изображения — это портреты из реальной жизни. Тогда у нас есть результат ».

«Мы обнаружили, что портреты — лучший способ проиллюстрировать нашу точку зрения, заключающуюся в том, что алгоритмы способны имитировать творчество», — Хьюго Казель-Дюпре из компании Obvious

Но одна из заманчивых особенностей изображения Эдмона Белами заключается в том, что оно отходит от человеческого представления о портрете 18-го века.В нем есть что-то странно современное: он пугающе похож на одно из историко-художественных произведений Гленна Брауна. Почему это могло быть?

«Искажение является признаком модели», — говорит Казель-Дюпре. «Дискриминатор ищет черты изображения — лицо, плечи — и сейчас его легче обмануть, чем человеческий глаз».

Также должно быть так, что портретная живопись — чрезвычайно сложный жанр для ИИ, поскольку люди очень хорошо приспособлены к изгибам и сложностям лица, чего не может быть машина.Оказывается, трудность была частью коллективного мышления. «Мы поработали с обнаженной натурой и пейзажами, а также попробовали скормить алгоритмы работы известных художников. Но мы обнаружили, что портреты — лучший способ проиллюстрировать нашу точку зрения, заключающуюся в том, что алгоритмы способны подражать творчеству ».

AICAN, Ich bin ein Berliner , 2017.Изображение: AICAN.io — Ахмед Эльгаммал

AICAN, Permutations , 2017. Изображение: AICAN.io — Ахмед Эльгаммал

В других частях мира искусственного интеллекта исследователи играют в другие искусствоведческие игры.Ахмед Эльгаммал, директор лаборатории искусства и искусственного интеллекта в Университете Рутгерса в Нью-Джерси, работает с системой, которую он называет CAN, — «творческой», а не «генеративной» сетью. Базовый бинарный шалфей один и тот же — создатель и судья, художник и критик, но CAN специально запрограммирован для создания новизны, чего-то отличного от того, что он видит в наборе данных, который в данном случае состоит из всевозможных картин из 14 век.

«Я удивляюсь результату каждый раз, когда запускаю его», — говорит Эльгаммал.«Интересный вопрос: почему в CAN так много абстрактного искусства? Я думаю, это потому, что алгоритм понял, что искусство движется по определенной траектории. Если он хочет создать что-то новое, он не может вернуться и создать фигуративные произведения, которые существовали до 20 века. Он должен двигаться вперед. Сеть узнала, что она находит больше решений, когда стремится к абстракции: вот где есть место для новизны ».

Это порождает интригующее представление о том, что алгоритмы ИИ не просто создают изображения, они также имеют тенденцию моделировать ход истории искусства — как если бы длительный переход искусства от фигурации к абстракции был частью программы, которая работала в коллективном бессознательном на протяжении полувека. тысячелетия, и вся история нашей визуальной культуры были математической неизбежностью.

Никто из исследователей ИИ пока не заявляет об этом. Они все еще решают фундаментальный вопрос о том, можно ли вообще назвать изображения, создаваемые их сетями, искусством. Один из способов сделать это, конечно же, — провести своего рода визуальный тест Тьюринга, чтобы показать результаты работы алгоритмов оценщикам, жестким дискриминаторам и спросить, могут ли они заметить разницу.

«Если вы рассматриваете весь процесс в целом, то то, что у вас есть, больше похоже на концептуальное искусство, чем на традиционную живопись» — Ахмед Эльгаммал, директор Лаборатории искусства и искусственного интеллекта в Университете Рутгерса.

«Да, мы это сделали», — говорит Эльгаммал.«Мы смешали искусство, созданное людьми, и искусство, созданное машинами, и задали вопросы — прямые, например:« Как вы думаете, эта картина была создана машиной или человеком-художником? » а также косвенные, такие как: «Насколько вас вдохновляет эта работа?». Мы измерили разницу в ответах на человеческое искусство и машинное искусство и обнаружили, что разница очень небольшая. На самом деле, некоторых людей больше вдохновляет искусство, создаваемое машиной ».

Может ли такой опрос стать доказательством того, что алгоритм способен создавать бесспорные произведения искусства? Возможно, да — если вы определяете произведение искусства как изображение, созданное разумом с эстетическим намерением.Но если вы определяете искусство в более широком смысле, как попытку сказать что-то о более широком мире, выразить свои собственные чувства, беспокойства и чувства, то искусство искусственного интеллекта должно потерпеть неудачу, потому что ни у одного машинного разума не может быть этого побуждения — и, возможно, никогда не будет.

Уго Казеллес-Дюпре из Obvious с готовностью признает, что «машина определенно не хотела привносить эмоции в изображения. А с точки зрения исследований, идея о том, что робот имеет опыт открытого мира и использует его для создания чего-то нового — это пока чистая научная фантастика.’

Портрет графа де Белами , 2018, главы вымышленного семейства Белами (и прадеда Эдмона де Белами), созданный «разумом» GAN © Obvious

Это оставляет открытым вопрос об авторстве.Неужели это алгоритм, как следует из подписи на портрете Беламы? «Если художник создает изображение, то это будет машина», — говорит Казель-Дюпре. «Если художник — это тот, кто придерживается видения и хочет поделиться посланием, то это будем мы».

Эльгаммал, говоря о своих экспериментах, в целом соглашается: «Да, если вы смотрите только на форму и игнорируете то, о чем идет речь, тогда алгоритм просто генерирует визуальные формы и следует эстетическим принципам, извлеченным из существующего искусства.Но если рассмотреть весь процесс в целом, то получится что-то больше похоже на концептуальное искусство, чем на традиционную живопись. В круговороте есть человек, задающий вопросы, а машина дает ответы. Все это искусство, а не только картинка, которая появляется в конце. Можно сказать, что на данный момент это сотрудничество двух художников — человека и машины. И это заставляет меня задуматься о будущем, в котором ИИ станет новым средством для искусства ».

Продажа портрета Белами на аукционе стала еще одним испытанием для этого нового носителя: видит ли рынок в нем будущее? Похоже, да.

В некотором смысле ответ на этот вопрос был однозначным.«В конце концов, это портрет», — говорит специалист Christie’s Ричард Ллойд, организовавший продажу. «Возможно, это не было нарисовано мужчиной в напудренном парике, но это именно те произведения искусства, которые мы продаем уже 250 лет».

Очевидцы признали, что в их эксперименте есть что-то ретроспективное, обернув его небольшой генеалогической шуткой: всем портретам, созданным их мозгом GAN, было отведено место в вымышленном генеалогическом древе Белами. Барон де Белами в военной кушаке, графиня, похожая на дальнюю кузину Екатерины Великой, кокетливый барон fin-de-siècle в розовых шелках.

«Искусственный интеллект — лишь одна из нескольких технологий, которые окажут влияние на рынок искусства будущего — хотя еще слишком рано предсказывать, какими могут быть эти изменения», — говорит Ллойд. «Будет интересно увидеть, как закончится эта революция».

Ранее в этом году Christie’s организовал симпозиум, посвященный важному значению блокчейна для художников и коллекционеров. Первая технологическая конференция будет проводиться ежегодно, и ИИ, скорее всего, станет одной из исследуемых тем.Через десять или 20 лет — кто знает? — предметом обсуждения может быть перформанс в виртуальной реальности или творчество какого-то еще невообразимого робота Пикассо.

Жан-Мишель Баския по-прежнему остается загадкой

В мае 2016 года картина Жана-Мишеля Баския была продана за 57 долларов.3 миллиона. Год спустя другая его картина 1982 года, Без названия , была продана за 110,5 миллиона долларов, что сделало ее шестым по стоимости произведением искусства, когда-либо купленным на аукционе, и установив рекорд для американского художника. Баския — не первый художник, чьи холсты продаются по цене, которая кажется обычным людям непристойной. Но когда Джеффри Дейч, известный куратор и дилер, сказал после продажи: «Теперь он в той же лиге, что и Фрэнсис Бэкон и Пабло Пикассо», было трудно определить точное значение слова league .Считался ли Баския таким же великим художником, как Пикассо? Или владеть им было так же дорого?

Баския стал известен в начале 1980-х, когда идея о том, что художники должны быть коммерческими невиновными, развалилась навсегда и когда идея «звезды искусства» — забавно сокращенная инверсия, если вы думаете об этом, . голодный художник — впервые вошел в моду. В 1985 году журнал The New York Times Magazine опубликовал статью о Баскии под названием «Новое искусство, новые деньги». Его тон был одновременно благоговейным и подозрительным, с постоянными отсылками к горячему, возможно, легковерному рынку современного искусства.Его работы, как говорили, продавались «в быстром темпе — настолько оживленном, как шутили некоторые наблюдатели, что краска едва высохла», а сам Баския был процитирован как обеспокоенный тем, что стал «талисманом галереи». Что бы ни было правдой, как с тех пор сказала историк искусства Джордана Мур Саггезе, «это был не тот голодающий художник, которого публика привыкла видеть».

За 30 лет, прошедших с тех пор, как Баския умер от передозировки наркотиков, в 1988 году, в возрасте 27 лет, цены на его работы неуклонно росли, делая несколько поразительных скачков.Все по-прежнему очарованы им — жизнь неотразима, человек завораживает, холсты, от которых невозможно отвернуться, — но никто не понимает, почему. Его работа, кажется, вызывает у людей одну из двух реакций. Первое, как заметила писательница Белл Хукс, когда она посетила ретроспективу его работ 1992 года в Музее Уитни в Нью-Йорке, — это избегание:

Я бродил среди толпы, разговаривая с людьми об искусстве. У меня был только один вопрос. Речь шла об эмоциональных реакциях на работу.Я спросил, что чувствовали люди, глядя на картины Баскии? Никто из тех, с кем я разговаривал, не ответил на вопрос. Они пошли по сторонам, говорили все, что им в нем нравилось, вспоминали встречи, обычно говорили о шоу, но что-то, казалось, мешало им спонтанно выражать чувства, которые вызывала работа.

Стоя перед фотографом Джеффа Кунса Balloon Dog , вы делаете селфи. До Untitled , который его владелец теперь выставляет в мировом турне, вы… что именно делаете? Обычный первоначальный ответ — что это искусство небрежно, нежно, правдиво — почему-то кажется неправильным, как будто мы не получили его .Не желая больше играть роль обывателя-арьергарда, мы молчим, застряв в смутно постыдном молчании. Мы опасаемся, что перед картиной мы увидели или почувствовали слишком мало, особенно учитывая цену в 110,5 миллионов долларов.

Работы Баскии также могут вызвать противоположный отклик, что очень хорошо видно в комментариях к недавней ретроспективе, проведенной в Барбакане в Лондоне, а затем в Ширн Кунстхалле во Франкфурте. Стремясь претендовать на место картин в истории искусства, критики придают им дополнительную значимость.Я видел следующие примеры, оказавшие влияние на творчество Баскии или аналогичные им: экшн-живопись, арт-брют, сюрреалистический автоматизм, нарезки Уильяма Берроуза, шизоанализ Жиля Делёза и Феликса Гваттари, Леонардо да Винчи, панк, постпанк, нет волны, хип-хоп, бибоп, Ли «Скретч» Перри, Эйнштейн на пляже , Герман Мелвилл и Джек Керуак. Конвергенция нескольких линий влияния очевидна в работах Баскии и довольно справедливо названа формой «креолизации».Но есть креольский, а есть кухонная раковина. Если бы все его творения были потеряны, и вам пришлось бы восстанавливать их, руководствуясь только критикой, вы бы получили какие-то отвратительные произведения искусства.

К 1982 году Баския стал более уверенно использовать цвет, поверхность и линии. ( Без названия [1982], холст, акрил, масло. © VG Bild-Kunst Bonn, Поместье Жан-Мишеля Баския; лицензия Artestar, Нью-Йорк; любезно предоставлено Музеем Бойманса Ван Бёнингена; Фотография Studio Tromp, Роттердам)
То, к чему критики, похоже, стремятся от имени Баскии, не понимание, а респектабельность, в которой любой, кто смотрит на картины, может сразу увидеть, что Баския не интересовался.Эти полотна создал молодой человек, едва достигший подросткового возраста, который никогда не терял подросткового презрения к респектабельности. Пытаясь отстоять художественно-историческую важность картин, критик сталкивается с их очевидным отсутствием самомнения. Наряду с их неприкрытой непочтительностью язык, окружающий их, с самого начала казался неуклюжим и перегруженным. То немногое, что мы знаем наверняка о Баскии, можно сказать просто: необычайная живописная чувствительность выражалась в лице молодого чернокожего мужчины, очага террора и опасений в расистском обществе.Вот и богатые люди любят коллекционировать его работы. Нам было нелегко заставить этих двоих легко сочетаться. Но он тоже.
На протяжении многих лет фотографии, сопровождающие произведение Times , давали публике представление о художнике. Баския одет в костюм от Armani, босиком, с дредами и заляпан краской. Смотрит — сложно сказать, так тупо смотрит в камеру. Оглядываясь назад и имея хорошие репортажи, мы теперь знаем, что Баския был раздавлен деньгами и оглаской.В то же самое время его просили реинвестировать живопись с ее упущенной аурой подлинности, даже святости, потому что он был черным. Ни один человек не смог бы пережить это, и он не выжил. Ирония в том, что цены на его работы постоянно растут, заключается в том, что они не только не проясняют его положение, но и поддерживают вопрос, который он неоднократно задавал себе: Я художник, звезда искусства или просто еще одна знаменитость?
Мать Баскии, Матильда, была бруклинкой пуэрториканского происхождения. По некоторым сведениям, она — любящая и заботливая фигура, которая ведет его в Музей современного искусства, чтобы увидеть картину Пикассо Герника , и в театр, чтобы увидеть Вестсайдская история , давая ему копию Анатомии Грея .(Все это является пробным камнем в его работе.) По другим данным, она неустойчива, избивая его за то, что он носил нижнее белье задом наперед, угрожая убить всю свою семью рывком руля. Баския однажды сказал, что у его матери «полоска беспокойства на лбу из-за того, что она слишком много беспокоится». Он назвал ее bruja , «колдунья». Она попадала в психиатрические больницы и выписывалась из них. В одном интервью он сказал: «Она сошла с ума из-за неудачного брака».
Его отец, Джерард, был иммигрантом из Гаити.Он был мобильным, средним классом и профессионалом, и он хотел привить своему старшему ребенку ценности среднего класса. Его старший ребенок ничего этого не хотел. Как сообщается, Жерар Баския однажды настолько сильно избил своего сына, что Жан-Мишель на следующий день пошел в школу, ходя с тростью. (Джерард отрицал это.) В других случаях, как гласит история, его так сильно избили, что он вызвал полицию. Его родители окончательно разошлись, когда ему было 7 лет, и его отец позже перевез его и двух его младших сестер из Ист-Флэтбуша в таунхаус в Боерум-Хилл.Джерард, который всегда настаивал на том, что баскияты были элитной семьей на Гаити, окончил вечернюю школу по бухгалтерскому учету и в конечном итоге стал контролером в издательской компании Macmillan.
Баския стал известен в начале 1980-х, когда идея о том, что художники должны быть коммерческими невиновными, развалилась навсегда.
В их новом районе Джерард сыграл счастливого развода, в синем пиджаке с латунными пуговицами, за рулем «Мерседес-Бенц». Жан-Мишель исчез в проходе под лестницей, закрыв его своими рисунками.Какие произведения искусства создавал Баския и как он их создавал, оставалось тесно связанным в его собственном неурегулированном отношении к недвижимости. Он убегал по крайней мере дважды, прежде чем уйти из дома навсегда в 17 лет. Это означало — и здесь опускается что-то вроде мифического тумана — жить в парке Вашингтон-сквер и блошиных гостиницах, а также перемещаться по диванам и кроватям разных друзей и любовников.
Он начал свою жизнь как художник, раскрашивая спреем дразнящие коаны на стенах в Сохо и его окрестностях под псевдонимом Само, сокращенно от «того же старого дерьма».Его работа в роли Само была совместным проектом с другом, порожденным порывом, универсальным среди мальчиков-подростков. Как объяснила 17-летняя «Джин» в интервью The Village Voice , Само был разработан как «инструмент для высмеивания фальсификаций». Он удивлялся, как типажи из Сохо попались на это. «Они делают именно то, что мы думали, — сказал он репортеру. «Мы пытались сделать это глубоким, и они думают, что это действительно так!» Трудно, читая статью сейчас, не слышать, как он отвечает в синем пиджаке:
Этот город кишит встревоженными псевдонимами среднего класса, которые пытаются выглядеть как деньги, которых у них нет.Символы состояния. Это меня бесит. Как будто они ходят с прикрепленными к головам ценниками. Люди должны жить более духовно, дружище. Но мы не можем стоять на тротуаре весь день и кричать на людей, чтобы те убрали их действия, поэтому мы пишем на стенах.
В 1979 году он приобрел «свой первый стабильный дом», — говорит Алексис Адлер, его сосед по комнате того времени, — «первое место, от которого у него был ключ». Ему было 18 лет; ей было 22. Во время прогулки на шестом этаже Баския начал превращаться из уличного торговца в галерею художника.«Он писал и рисовал на любой поверхности», — вспоминал Адлер в « Basquiat Before Basquiat », тонком томе, который сопровождал первую публичную выставку в 2017 году сохранившихся материалов из сквота на 12-й Восточной улице. Его местность включала «стены и пол квартиры и коридоры здания, которые были усыпаны выброшенной техникой». Их квартира описывается как райский кокон с видом на «тиры», наркобароны на авеню Б. Они ходили танцевать каждую ночь.«Искусство было жизнью, а жизнь — искусством», — писал Адлер.
Новый документальный фильм « Настоящий бум: последние подростковые годы» Жана-Мишеля Баския , снятый при сотрудничестве с Адлером, развивает уже знакомую историю. «Неделю назад Нью-Йорк оказался на грани финансового дефолта», — нараспев произносит президент Джеральд Форд во время вступительного ролика с изображением разрушенного и горящего города. В этот период, как нам говорят, крошечная группа молодых людей, спасаясь от скучной жизни в другом месте, тяготела к беззаконию и упадку и создала свою собственную городскую деревню.Улицы могли быть опасными, но это способствовало общению и интимной обстановке.
Из нашего выпуска за июль / август 2018 г.
Ознакомьтесь с полным содержанием и найдите свой следующий рассказ, который стоит прочитать.
Подробнее
Улицы, по-видимому, были таким же домом для Баскии, как и сквот, и работа, которую он проделал, отражает этот факт. Он нацарапал мусор, выловленный в окрестностях, на выброшенных кусках холста или оторванной двери квартиры, иллюстрируя их уличными действиями: автомобильные аварии, машины скорой помощи, горизонты.Эти работы очень грубые — их вряд ли даже можно считать juvenilia, — но они также очень милы и содержат намеки на то, что должно было произойти. Он начал вычеркивать слова, чтобы привлечь к ним внимание. Он также разрабатывал набор символов, которые оставались важными на протяжении всей его карьеры, в том числе символ авторского права. Это было означало иронично, учитывая, что работы Само были в значительной степени общественным достоянием. Как только он начал работать в помещении, символы начали приобретать иную иронию, одновременно более темную и хрупкую. Это моя работа? Должен ли я использовать свое имя вместо тега Samo? Если да, принесет ли это мне деньги?
По мере того, как Баския переходил к более традиционной живописи, он переходил от уличных пейзажей к человеческим фигурам. Они показаны спереди, с небольшой глубиной резкости или без нее, а нервы и органы обнажены, как в учебнике анатомии. Интересно, эти существа мертвы и подвергаются клинической анатомии или живы и испытывают огромную боль?
Адлер и Баския жили вместе на 12-й Ист-стрит с осени 1979 года по лето 1980 года.В июне того же года он впервые выставил свои работы: он нарисовал фреску на «Таймс-сквер-шоу», легендарном мероприятии, проходившем в бывшем массажном салоне на Седьмой авеню. В шоу были представлены перформанс, граффити, фильмы и атмосфера карнавала. Но именно вклад Баскии был выделен в Art in America . («Кусочек стены, нарисованный Само, вездесущим лозунгом граффити, представлял собой потрясающую комбинацию каракулей де Кунинга и метрополитена».) В феврале следующего года Баския был включен в шоу «Нью-Йорк / Новая волна» на PS1. некоммерческое пространство искусства, размещенное в несуществующей начальной школе в Лонг-Айленд-Сити.Из более чем 100 художников он был единственным, кому было предоставлено видное место для картин. Он показал более 20 работ на собственной стене в финальном зале выставки.
Его картины, как позже сказала арт-дилер Аннина Носей, «обладали качеством, которого не встретишь на стенах улицы, качеством поэзии и универсальным посланием вывески. Он был немного незрелым, но очень красивым ». У Нозеи был большой опыт работы в мире искусства: она работала у выдающегося дилера Илеана Соннабенд, путешествовала по стране с Джоном Кейджем, познакомилась со своим мужем через Роберта Раушенберга.Ее связь с работой Баскии была мгновенной и серьезной. Ей не терпелось представить его, но возникла заминка. Кроме того, что он выставлял, картин у него не было. Посетив Баскию (другая квартира, новая девушка), Нозей был поражен, обнаружив, что у него нет инвентаря, который можно было бы ей показать. «У вас нет ничего ?» — спросила она его, как она вспоминает в документальном фильме 2010 года под названием The Radiant Child . Итак, в сентябре 1981 года Носей поручила ему работать над созданием полотен в подвале своей галереи на Принс-стрит.
Ранние уличные пейзажи Баскии уступили место коллажам с изображением человеческой фигуры. ( Glenn [1984], акрил, масляная палочка и фотокопия, коллаж на холсте; © VG Bild-Kunst Bonn, Поместье Жан-Мишеля Баския; лицензия Artestar, Нью-Йорк)
Понятно, что расположение комментаторов вызывает недовольство: белая надсмотрщица держит в подвале черную палату, чтобы по команде выставлять картины. Сам Баския сказал: «Знаете, в этом есть неприятный момент? Меня никогда нигде не запирали.Если бы я был белым, они бы просто сказали «художник в доме». С его большим продолговатым потолочным окном помещение не было ни мрачным, ни тесным, и оно постоянно пополнялось припасами из-за подлизывания помощников. Баския относился к этой договоренности как к работе. Носей вспоминает, как он приходил рано утром с круассанами от Dean & DeLuca и извинялся, если опоздал. Оказавшись в подвале, он включал музыку, часто Равель Boléro , при этом слыша стук зонтика Нозея этажом выше.А потом рисовал.
Здесь его работа начинает созревать так быстро, настолько решительно, что ее едва ли можно переработать. В то же время раса более явно входит в его работу. В фильме «Ирония негритянского полицейского » Баския предлагает свой мучительно личный взгляд на то, что В. Э. Б. Дюбуа, как известно, назвал «двойным сознанием». В других местах черные мужчины для него одновременно виртуозы и мученики, среди которых видное место занимают Диззи Гиллеспи и Шугар Рэй Робинсон. Его любимый символ, корона, появляется все чаще, но что это такое? Аполлонический лавровый венок, высший символ победы и чести? Или терновый венец, который, наряду с крестом, является высшим символом унижения и насмешек христианского мира?
Баския работал сразу на нескольких холстах, танцуя от поверхности к поверхности, как «Али в расцвете сил», по словам ассистента.Он мог закончить два или три за день. Иногда рисовал в пижаме и тапочках. Время от времени один из помощников Носея проводил его в Ситибанк, чтобы выдать наличные.
Картины были предметом торговли, по крайней мере, с 16 века, а к середине 17 века возникло что-то вроде международного рынка искусства. Он имел дело в основном с предметами старины и старых мастеров, был небольшим и неликвидным. Когда в конце 19 века впервые возникла торговля современным искусством, она характеризовалась отсутствием тепла или скорости.Арт-дилер обнаружил неизвестных художников, а затем поддержал их на протяжении многих лет, даже десятилетий, в безвестности. «Мы бы умерли с голоду без [Поля] Дюрана-Рюэля, всех нас, импрессионистов», — сказал Клод Моне об известном торговце.
Современное искусство когда-то считалось серьезным, потому что оно происходило из авангарда, и то, что garde было в avant , было рынком. Это очевидно, если вы прочитаете мемуары Дюран-Рюэля и его преемников Амбруаза Воллара и Даниэля-Генри Канвейлера, первоначальных торговцев современным искусством.Все трое признают рынок, а Дюран-Рюэль и Воллар постоянно ссылаются на цены. Канвейлер сослался на изречение Пикассо: «Чтобы картины стоили больших денег, они должны быть в какой-то момент проданы дешево». Художественное подтверждение было процессом, борьбой, которая влекла за собой испытания и осуждение со стороны рынка, а затем триумф на рынке, который со временем показал «истинную» ценность работы при высоких и, наконец, непомерных продажных ценах.
Он разрезал свои холсты на лохмотья, а затем, как будто чтобы убедиться, что они никогда не будут воскрешены в качестве продаваемого искусства, облил их ведром с белой краской.
Появление арт-рынка в том виде, в каком мы его знаем сейчас, восходит к началу 1970-х годов, в частности, к одному аукциону. В 1973 году нью-йоркский магнат такси Роберт Скалл продал 50 произведений современного искусства. На аукционе за 240 000 долларов был продан энкаустический коллаж Double White Map , созданный Джаспером Джонсом. Для Скалла это означало, что его деньги за восемь лет окупились на 2250%. Как выяснил социолог Олав Велтуис в ходе обширных интервью, дилеры и художники указывают на это как на момент, когда «рынок искусства собственно [превратился] в рынок товаров или рынок инвестиций ».
А затем, в сентябре 1980 года, картина Джаспера Джонса Три флага была продана музею Уитни за 1 миллион долларов. Это была рекордная цена за работу живого художника, хотя примечательной сделкой стали не только деньги. Супруги из Коннектикута, Тремейн, приобрели Three Flags в 1959 году за 900 долларов у легендарного арт-дилера Лео Кастелли. Продавая его, они полностью его обошли; и это, как считал Кастелли, нарушило устоявшиеся в его профессии правила вежливости.
Кастелли руководил рынком, который вообще не был свободным рынком. Это была сфера деятельности, наполненная личным смыслом — соглашения о рукопожатии, фаворитизм (в форме списка ожидания и некоторой благородной ценовой дискриминации) и, что наиболее важно, черный список коллекционеров, перепродававших работы. Вместе эти таможни ограничивали поставки, защищая коллекционеров от наводнения рынка, сохраняя при этом окончательную юрисдикцию над карьерой художника в руках его дилера. «Это было буколично», — сказал Кастелли о том периоде.«Деньги были не так важны».
Распродажа Three Flags стала первой страницей The New York Times . По словам Велтуиса, это ознаменовало появление «суперзвездных цен» в современном искусстве. К концу 1982 года, отчасти благодаря началу экономического бума эпохи Рейгана, по-настоящему начался период безрассудных, почти спастических покупок. Как бы то ни было, garde больше не был avant , и цены быстро росли. В 1983 году картина Джулиана Шнабеля Notre Dame была продана на аукционе Sotheby’s по выигрышной ставке в размере 93 000 долларов — трехлетний доход от инвестиций более 2,500 процентов.Отношения между художниками и дилерами становились все более откровенными. Когда художник и скульптор Дональд Джадд ушел от престижного дилера Паулы Купер в галерею Pace, Купер сказал: «Художники сегодня подобны звездам бейсбола».
В октябре 1981 года Нозей включил Баскию в групповую выставку. Она отдала его шести картинам всю заднюю комнату своей галереи, и после того, как его работы были проданы, она была готова сделать еще одно предложение. Она предложила одним махом поставить вокруг себя весь аппарат работающего художника.Она предоставит ему чердак, чтобы он жил, студию, где он мог бы рисовать, помощников, которые будут работать на него, материалы и, в ожидании конца этого трубопровода, коллекционеров, которые купят его произведения искусства. Баския прибыл, но он, по крайней мере, не знал, где именно.
Лофт на Кросби-стрит находился на втором этаже, и посетители либо включали зуммер, который Баския обозначил как деготь фирменным почерком Само, либо звонили с улицы. Заглядывали коллекционеры, и если они вслух задавались вопросом, может ли картина гармонировать с их декором, Баския прогонял их, часто швыряя им оскорбления, а иногда и еду — хлопья, рис, молоко — из окна им на головы.Дети граффити, поклонницы, знаменитости и, не в последнюю очередь, приятели-наркоманы — люди приходили днем и ночью и находили пространство, заваленное произведениями искусства, мусором, игрушками, журналами, книгами. В углу стояла статуя гаитянского вуду. На кровати было одеяло Супермена из полиэстера и кокаиновое зеркало на полке изголовья. Сообщения об этом периоде сходятся в двух деталях: телевизор всегда был включен, а холодильник всегда был заполнен всякими изысканными продуктами — шоколадом, выпечкой, русской икрой — которые постепенно портились.
Тогдашняя подруга Баскии, Сюзанна Маллук, вспоминает, как он закрывал окна черной бумагой, изгоняя дневное время из жилых помещений и внутренние часы из их тел.Они стали делать все больше и больше кокса, и Баския начал бесплатное производство. Наряду с наркотиками, известностью, прихлебателями и паранойей, деньги стали теперь силой в его жизни, а большие купюры были запихнуты в книги и под ковер или оставлены дрейфовать где угодно. Однажды Баския перекусил дорогой электроникой, затем сел на пол в окружении своих новейших гаджетов и плакал.
В марте 1982 года он выставил свои работы в подвале Носеи — Arroz con Pollo , Crowns (Peso Neto) , Untitled (Per Capita) — наверху ее галереи.Это была его первая персональная выставка в США и первая персональная выставка в роли Баскии. (Недавно он выступал в роли Само в Италии.) Все билеты были распроданы за одну ночь. Ему был 21 год. После своего дебюта в Нью-Йорке он выступил с открытием мафиозной сцены в Лос-Анджелесе и сольным шоу в Galerie Bruno Bischofberger в Швейцарии.
Вскоре после его триумфа он был доставлен обратно в Италию, и в ангаре для самолетов на промышленной окраине Модены Баския был помещен перед массивными холстами размером 25 на 15 футов, растянутыми и готовыми, и получил только дней, чтобы подготовить свежий материал для второго итальянского открытия.Его посетил его итальянский дилер, а также Нозей и Бишофбергер. «Они сделали это для меня, так что я должен был сделать восемь картин в неделю», — сказал он позже The New York Times Magazine . «Я делал их на этом большом складе… Это было похоже на фабрику, больную фабрику».
Два месяца спустя он пробрался в подвал Носея и уничтожил 10 его полотен. Используя нож для резки бумаги, он разрезал их на тряпки, а затем, как будто чтобы убедиться, что они никогда не будут воскрешены в качестве продаваемого искусства, облил их ведром белой краски.
Когда я увидел «Basquiat: Boom For Real», главную ретроспективу его работ, которая недавно закрылась во Франкфурте, выставка была не только хорошей, но и почтительной. Зрители останавливались над предметами, как если бы они были святыми реликвиями. ( Кто-то знал, что нужно сохранить этот , я думал снова и снова.) Презентация изящно перетекала от Само к материалам East 12th Street до danse macabre из его последних крупных работ. В комментариях к каталогу и выставочных фотографиях в основном замалчивается тот факт, что после того, как он прославился, Баския быстро и ужасно прошел путь от милой сороки из Ист-Виллидж до хама из кафе и до смерти.Художник, который председательствовал на шоу, — это Баския до бума, чудо разрушающегося, но энергично творческого Нью-Йорка. В чем его делают невиновным, если не в рынке, в частности, в арт-рынке 80-х? Однако сделать его невиновным на рынке — значит расколоть его надвое и отказаться от борьбы, которая определяла его как художника.
К началу 1982 года Баския явно вступил в новую фазу. Он начал заменять случайную грязь на своих поверхностях — оторванные клочки бумаги, скрепленные клеем, отпечатки кроссовок — на что-то более расчетливое, применяя техники коллажирования, напоминающие методы Раушенберга.Его использование цвета, поверхности и линий для достижения экспрессионистского эффекта показало вновь обретенную уверенность. В то же время он внезапно начал создавать картины для рынка, причем делать их много быстро и под давлением.
Что означает, когда чернокожий художник выходит за рамки техники, формального обучения или глубокого обучения?
В результате получилось героическое мастерство в сочетании с хаотичностью мусора, поднимаемого ветром. Баския стал неистово включать материалы, которые он нашел готовыми, наполняя свои холсты еще большим количеством символов: изображения знаков доллара, монет, банкнот Федерального резерва, японской иены, афро-кубинских идеограмм, логотипов, автомобилей, самолетов, перьев, ног. , черепа.Для этого он ухватился за все, что могло служить сырьем — от «Справочника по символам : авторитетное руководство по международным графическим символам » Генри Дрейфуса до каталога 1980 года постоянной коллекции Метрополитена. К 1984 году его техника коллажирования стала более сложной. Иногда он плотно накладывал на холст цветные фотокопии, которые затем закрашивал. Он даже начал использовать трюк Энди Уорхола с трафаретной печатью, чтобы повторять изображения как внутри, так и между холстами.
Уорхол сообщил в своих дневниках, что, когда Бишофбергер впервые увидел эти работы, он окинул их «кислым взглядом». Такой подход «разрушил интуитивный примитивизм [Баскии]». Даже в этом случайном расизме есть доля правды. Неизбежно, что такие слова, как примитивный , необразованный , недисциплинированный , опасны, учитывая, насколько тщательно проверена критика Баскии за оскорбление. Но если вы напуганы, вы никогда не поймете, кем он был и к чему имел.Кураторы и критики «Basquiat: Boom For Real» пытались двигаться в противоположном направлении, описывая его как маэстро во всем, а один из авторов каталога даже назвал его «выдающимся художником и рисовальщиком». Но Баския не был даже хорошим рисовальщиком, и он с радостью признал это. Бесполезно притворяться иначе: в отличие от Жана Дюбюффе, он создавал необразованные образы, потому что был необразованным. В отличие от Пикассо, его фигуры были грубыми, потому что он едва мог рисовать.
Настаивать на том, что Баския был виртуозом, — значит снова отворачиваться от картин, упустить их окончательный вызов. Поиск подлинности формы и чувства, который привел белых художников к наивным (даже детским) техникам и человеческим примитивам — что означает этот поиск, когда его преследует черный художник? Это хороший вопрос, острый, и мы привыкли задавать его Баскии, оставляя в воздухе продолжение следующего: что это значит, когда черный художник прыгает за пределы техники, формального обучения или глубокого обучения. изучение? На своих полотнах Баския обращался к чернокожим спортсменам и музыкантам, которых он почитал, к Хэнку Аарону и Чарли Паркеру.Они были непревзойденными виртуозами, но Аарон подвергся критике, когда сместил Бэйба Рут, величайшего из белых американских спортсменов, в качестве хоумранского короля в спорте, который является заменой национальной невиновности. Паркер, как один из пионеров послевоенного бибопа, привел «негритянского гения» в непонятные места, куда он не должен был попасть.
Что значит изобразить их на картинах, которые легко ошибочно воспринимать как ленивые, среди наиболее нагруженных расистских терминов? Черный американский гений долгое время был вынужден заниматься музыкой и спортом, где его просили еще больше оправдать себя, демонстрируя абсолютную виртуозность, только для того, чтобы погибнуть, когда этот гений вырвется из шаблона, созданного для него респектабельностью и конформизмом.Баския отказался играть в эту игру. Во-первых, он отказался от роли заискивающего виртуоза, вместо этого поместив себя в родословную (белого) модернистского гения, «Твомбли, Раушенберга, Уорхола, Джонса», как он сказал. Затем он сделал предметом своей работы мученичество черного виртуоза. Быть первым чернокожим художником, который не был черным художником, но никогда не был черным художником: это значит сделать из себя святую особенность.
Новый владелец картины Без названия , Юсаку Маэдзава, указал, что настоящая судьба картины не для того, чтобы копить, а чтобы увидеть.В марте я пошел на выставку отдельных картин «One Basquiat», на первую остановку в его глобальном туре, в Бруклинском музее. Смотровая комната была похожа на часовню. В ближайшем конце витрина хранилась членская карта младшего музея Баскии. На дальней стене висело самое дорогое (на данный момент) произведение искусства американца.
Зрители чувствуют, что смотрят на картины Баскии, сказал один комментатор, и я согласен. Но в их присутствии у меня также есть ощущение, что я случайно наткнулся на что-то, чего не должен был видеть.Искусство Баскии создавалось в условиях, которые, надо полагать, являются аномальными для истории искусства, и тем не менее мы применили бы к нему традиционные стандарты и словари по истории искусства. С одной стороны, Баския был героическим мастером, как Пикассо, хотя его бросили на рынок, прежде чем он смог полностью развить свое мастерство. С другой стороны, нам нужно, чтобы он был одним из самых аутентичных людей, как Винсент Ван Гог, даже несмотря на то, что он постоянно и напрямую взаимодействовал с рынком.По сей день его просят восстановить символический капитал голодающего художника системе, которая в противном случае делает все возможное, чтобы ее уничтожить. И поэтому он и по сей день остается предметом постоянной неопределенности.
Без названия , мучительный череп периода Кросби-стрит, был впервые куплен в 1984 году за 19 000 долларов. По недавней продажной цене он увеличился в цене на 581 479 процентов. Человек недоверчиво качает головой и думает: Все, что рынок выдержит, .В то же время человек с трепетом склоняет голову и думает: стоит каждого пенни .
Эта статья появилась в печатном выпуске за июль / август 2018 года с заголовком «В поисках Жана-Мишеля Баския».
Вот 13 работ, украденных в ночь ограбления музея Гарднера
История продолжается ниже
Подпишитесь на подкаст
Утром 18 марта 1990 года два вора, одетые как полицейские, вошли в Isabella Музей Стюарта Гарднера в Бостоне вышел с 13 произведениями искусства на сумму полмиллиарда долларов.Двадцать восемь лет спустя это остается крупнейшим нераскрытым ограблением произведений искусства.
В сентябре WBUR и Boston Globe запускают подкаст под названием Last Seen, , который раскроет тайны ограбления. (Вы можете послушать трейлер и подписаться, чтобы получать уведомления, как только здесь появятся новые серии.)
Перед этим мы попросили критика Ллойда Шварца взглянуть на искусство, которое потерял наш город:
«Концерт»
Йоханнес Вермеера
1663-1666
Иоганнес Вермеер «Концерт.»(Любезно предоставлено музеем Изабеллы Стюарт Гарднер)
Эта небольшая картина, площадью чуть больше двух футов, была выставлена спина к спине с« Пейзажом с обелиском »Говерта Флинка на маленькой столешнице в великолепной Голландской комнате музея Гарднера. обычно считается самым редким и самым ценным из потерянных сокровищ — по крайней мере, отчасти потому, что известно о существовании очень небольшого количества его картин (текущее мнение — 37, но некоторые ученые все еще сомневаются в подлинности трех из них.)
«Концерт» характерен для артиста и немного нетипичен. По крайней мере, у девяти других вермееров есть музыкальные инструменты, в основном в руках женщин. Тем не менее, только у трех других выживших вермееров есть три фигуры (одна — «Христос в доме Марфы и Марии», две другие находятся в баре и в борделе).
Тишина — это центральное качество работы Вермеера, что даже когда он изображает трио музыкантов (певец в сопровождении лютни и клавесина), атмосфера картины остается исключительно спокойной.Атмосфера спокойствия в этой сцене — городское эхо мирной пасторальной сцены на внутренней стороне крышки клавесина (вероятно, нарисованной Яном Вильденсом) и где-то между абсолютной тишиной лесного пейзажа и хриплостью сделки в борделе в две картины, висящие на стене за этой богатой и, предположительно, респектабельной тройкой. (Картина из борделя «Скупка» Дирка ван Бабурена, на которой также изображены три фигуры, принадлежит Бостонскому музею изящных искусств. Во времена Вермеера она, похоже, принадлежала его богатой свекрови.)
Это чувство спокойствия усиливает даже у музыкантов сложная геометрия картины. Прямые и острые углы в размещении фигур и мебели, а также прямоугольные картины на стене, а также изысканные приглушенные цвета одежды (желтый, серый, коричневый) и украшений (жемчужные серьги и жемчужное ожерелье — также классический Vermeer) источают приглушенную стабильность. В то же время более мягкие изгибы головы, тела и одежды плюс аэродинамический разворот крышки клавесина добавляют статическим фигурам напряжения и энергии.Квадратная мраморная плитка для пола, радикально укороченная в ромбовидные ромбы, не только приветствует, но и, кажется, активно притягивает взгляд зрителя к сцене. Так же, как прямоугольные рамы на стене контрастируют с более органическими ритмами картин, которые они окружают. И что больше всего похоже на Вермеера, сверхъестественный опалесцирующий свет одновременно освещает фигуры и окружает их таинственной тишиной.
«Дама и джентльмен в черном»
Рембрандт ван Рейн
1633
«Дама и джентльмен в черном» Рембрандта ван Рейна.»(Предоставлено Музеем Изабеллы Стюарт Гарднер)
Все Рембрандты в коллекции миссис Гарднер были созданы в начале 1630-х годов, когда Рембрандту было всего 26 или 27 лет (хотя его чувствительный автопортрет, который не был украден, датируется четырьмя годами ранее). Он уже достиг блестящих технических навыков. Более поздние изображения могли быть более глубокими, более поисковыми, но именно эти более ранние мастерские работы сделали его знаменитым.
Рембрандт нарисовал много пар, некоторые в очень больших форматах.Но подавляющее большинство этих портретов на самом деле являются «подвесками» — двумя отдельными полотнами, на каждом из которых изображен один член обычно состоящей в браке пары. «Дама и джентльмен в черном» — вероятно, первый двойной портрет Рембрандта, в котором обе фигуры изображены на одном полотне. Он впечатляюще большой — более 4 футов в высоту и около 3,5 футов в ширину. Цвета строгие, но одежда богатая, с удивительно детализированной кружевной отделкой (особенность Рембрандта на этом этапе его карьеры), особенно элегантный женский воротник с рюшами и кружевные манжеты.Какой крошечной должна была быть его кисть.
Но что больше всего поражает в картине, так это расположение двух фигур. Справа женщина сидит в элегантном кресле и смотрит, но не на нас — скромная, но хладнокровная. Ее левая рука в перчатке держит перчатку ее обнаженной правой руки, лежащей на подлокотнике ее стула. В центре стоит мужчина, возвышающийся над ней, чванливый, конфронтационный — его левая рука в перчатке держит правую перчатку; его правая рука была спрятана, предположительно, на бедре, под черным плащом.Слева от него стоит еще один стул, пустой, более простой, чем тот, на котором сидит дама. Сидящая женщина, стоящий мужчина и пустой стул образуют треугольник — форму прочности и устойчивости. Комната, в которой они находятся, довольно свободна, что-то — возможно, карта — висит на стене позади человека. Также позади него две ступеньки, ведущие к двери, которую его фигура блокирует. Поскольку мы не видим дверной проем, он больше похож на выход, чем на вход. Несмотря на скрытую напряженность, ситуация не изменится.Женщина сильная, но не пассивная. Мужчина определенно контролирует ситуацию — или думает, что это так.
«Христос в шторме на Галилейском море»
Рембрандт ван Рейн
1633
«Христос в шторме на Галилейском море» Рембрандта ван Рейна. (Любезно предоставлено Музеем Изабеллы Стюарт Гарднер)
Четыре произведения искусства справа от украденной картины «Леди и джентльмен в черном» в Голландской комнате висит на пустой раме самой известной из пропавших без вести картин «Христос в шторме на Галилейском море» , »Иллюстрация к еще более известному отрывку из Нового Завета (Матфея, 8):
23 И когда он вошел в корабль, его ученики последовали за ним.
24 И вот, поднялась великая буря на море, так что лодка покрылась волнами; а Он спал.
25 И подошли к нему ученики Его, и разбудили его, говоря: Господи, спаси нас: мы погибаем.
26 И сказал им: чего вы так боязливы, маловерные? Затем он встал и запретил ветрам и морю; и было большое затишье.
Картина Рембрандта 1633 года, в том же году, что и портрет пары, является почти диаметральной противоположностью этой картины.Вместо спокойной стабильности это один из самых драматичных и динамичных образов Рембрандта. Холст чуть более 5 футов в высоту и более 4 футов в ширину — эффект ошеломляющий. Мы находимся в разгаре сильной бури. Сверху светятся темные тучи, высокие волны хлестают лодку, ветер уже разорвал грот пополам. Мы почти не можем отличить волны от скал, о которых кажется, что маленькое судно вот-вот рухнет.
Иисус и его ученики в лодке. Некоторые из них в панике.Некоторые из них стараются удержать лодку вместе. Один склоняется над лодкой, его вот-вот вырвет. Один из них смотрит прямо на нас, держась одной рукой за фуражку, а другой за веревку. Я не уверен, что это за ученик, но это лицо Рембрандта — то же лицо, что и на украденном «Автопортрете», гравюре размером с почтовую марку того же периода. При внимательном наблюдении мы можем различить посреди всей этой суматохи Самого Иисуса, просыпающегося от сна и ничуть не обеспокоенного.«О вы, маловерные».
В отличие от портрета пары, где каждая деталь была создана крошечными, почти невидимыми мазками, здесь мазки кисти — дикие, широкие, продуваемые ветром брызги на холсте. Мы действительно можем видеть — почти на ощупь — энергичную чистку зубов. Чтобы разглядеть маленькие человеческие лица, нужно потрудиться. Лодку поднесло к воде под углом почти 45 градусов. Когда мы смотрим, мы сами теряем равновесие. (Вернее, были.)
«Портрет художника в молодости»
Рембрандт ван Рейн
1633
Автопортрет Рембрандта ван Рейна «Портрет художника в молодости».»(Любезно предоставлено Музеем Изабеллы Стюарт Гарднер)
Этот крошечный офорт, всего 1 дюйм и ¾ шириной почти 2 дюйма высотой, является одним из тех чудес Рембрандта. Мы знаем из его других автопортретов и портретов его учеников и других художников. , что именно так он, должно быть, выглядел. Ему еще нет 30, он уже успешный, даже известный художник, но он не делает ничего, чтобы себя обольстить. Он немного пухленький, немного растрепанный, его волосы взлохмачены и растрепаны, и он выглядит очень серьезным. В купчей этот офорт упоминается как «Рембрандт с тремя усами», так как у него усы на губе, немного волос на подбородке, и даже край его фуражки выглядит как усы.
«Пейзаж с обелиском»
Говерт Флинк
1638
«Пейзаж с обелиском» Говерта Флинка. (Любезно предоставлено музеем Изабеллы Стюарт Гарднер)
В течение многих лет этот маленький пейзаж считался Рембрандтом. Картина написана маслом на дереве, ее размеры 21 дюйм в высоту и 28 дюймов в ширину, и все время, пока она находилась в музее Гарднера, она была поставлена вплотную к «Концерту» Вермеера на небольшом столике у окна в Голландском зале. Главная странность этой картины — обелиск, давший ей название.В этот темный и ненастный день оно залито солнечными лучами, почти позолочено, но в перспективе оно намного меньше, чем огромное гуманоидное корявое дерево на переднем плане, его продуваемые всем ветрам листья напоминают дикие волосы. Большая часть ствола упала на землю — ударила молния? Миниатюрный человечек на коне разговаривает с другим крохотным человечком, стоящим на дороге (или это дорога?). Через мост (а на нем кто-то есть?), На другом берегу реки, стоит водяная мельница. На далеком горизонте возвышается что-то вроде холма над полями и лесами перед ним.Цвета в основном коричневые (пейзаж) и серые (небо). Бернард Беренсон, известный историк искусства и советник г-жи Гарднер, назвал его «произведением искусства изысканного, сладкого пафоса и глубоких чувств».
Причудливый и реалистичный сюжет остается загадкой. Обелиск, кажется, что-то олицетворяет, хочет, чтобы что-то представляло. Должно быть, это символ, иначе что он делает посреди этого почти бесплодного пейзажа, в центре этой загадочной картины? Но у нас нет другого выбора, кроме как оставить его значение нашему воображению.
«Chez Tortoni»
Эдуард Мане
Примерно в 1875 году
«Chez Tortoni» Эдуара Мане. (Любезно предоставлено музеем Изабеллы Стюарт Гарднер)
Щеголеватый усатый молодой человек в цилиндре сидит в кафе рядом с залитым солнцем окном. Он что-то пишет. По крайней мере, один его взгляд направлен на нас, зрителей. На столе бокал для вина. Вероятно, в нем нет «печенья Тортони», специального мусса со льдом, который ассоциируется с этим кафе. Вино прозрачное.Мазки кисти широкие и тактильные. Удивительно, как много ясности этот художник-импрессионист (или пре-постимпрессионист) получает от этих полос краски. И, может быть, это сама краска, на которой Мане больше всего хотел бы, чтобы мы сосредоточили свой взор.
Этот небольшой холст (чуть больше 10 на 13 дюймов) раньше висел в маленькой переполненной Голубой комнате на первом этаже Гарднера. Мане, которому на момент смерти был всего 51 год, было 40 лет, когда он написал «Chez Tortoni» — уже в полной зрелости.Он был самым известным — или печально известным — своими более крупными и сексуально смелыми работами, такими как «Завтрак на траве» и «Олимпия», но многие из его более поздних, более мелких работ — гроздь спаржи, палочка спаржи, лимон — являются шедевры. Его образы общества кафе — написанные с такой непосредственностью, почти как снимки — образуют своеобразную социальную историю полусветного Парижа конца XIX века. Chez Tortoni — прекрасный тому пример.
5 работ на бумаге
Эдгар Дега
1857-1888
Пять работ Эдгара Дега на бумаге были украдены из шкафов в Короткой галерее, проходе, ведущем в большую гобеленовую комнату на втором этаже Гарднера.Они хранились вместе с другими гравюрами и рисунками в шкафах, разработанных самой миссис Гарднер. Хотя он начинал как живописец библейских и исторических сцен, Дега, как и Мане (который был на два года старше его), прославился своими изображениями обычной жизни — в первую очередь изображениями танцоров, жокеев и скачущих лошадей. Утеря трех рисунков сцен с лошадьми — значительная.
Эдгар Дега «Cortège Sur Une Route Aux Environs De Florence» (любезно предоставлен Музеем Изабеллы Стюарт Гарднер)
Самый ранний из изображений с лошадьми, «Cortège Sur Une Route Aux Environs De Florence» («Процессия на дороге недалеко от Флоренции» ) представляет собой рисунок примерно 1857 года, размером 6 на 8 дюймов, выполненный карандашом и обработанный сепией, что придает ему старинный вид.Изображение представляет собой небольшую процессию, которая показывает Дега в более исторической манере. Есть какая-то повозка, запряженная парой лошадей (детали особенно трудно прочесть при воспроизведении). Одна из маленьких, но наиболее впечатляющих фигур — женщина, держащая большой зонтик над тремя женщинами, которые, кажется, танцуют. А вдалеке открывается старинный вид на Флоренцию.
Эдгар Дега «Три конных жокея». (Любезно предоставлено музеем Изабеллы Стюарт Гарднер)
«Три конных жокея» (1885–1888) — это более крупный, менее законченный рисунок тушью (около 12 на 9 ½ дюймов), с некоторыми штрихами масляной краски.Один из жокеев, наиболее отчетливо видный, находится в поразительной позе на лошади, откинувшись одной ногой на стремена, а другой вытянув ногу вокруг шеи лошади. Двух других жокеев на этой странице эскиза увидеть труднее, потому что они перевернуты.
«Песня Эдгара Дега». (Любезно предоставлено Музеем Изабеллы Стюарт Гарднер)
Возможно, самой важной из украденных Дега является небольшая акварель (дата неизвестна) «La Sortie Du Pesage» («Покидая загон»), на которой изображены две лошади и их жокеи, выстроившиеся в ряд и стоящие вела на дорожку в окружении прохожих — довольно большая толпа для картинки размером всего 4 на 6 дюймов.Захватывающие изменения положения очевидны из все еще видимого карандашного рисунка. Яркая оранжево-коричневая куртка и кепка ближайшего к зрителю жокея, на рисунке в основном коричневые, за исключением белых брюк жокеев, находятся в центре нашего внимания.
Два этюда Эдгара Дега для «творческого вечера». (Любезно предоставлено Музеем Изабеллы Стюарт Гарднер)
Последние две недостающие работы Дега — это пара набросков, сделанных углем размером 12 на 8 дюймов, датированных 1884 годом, оба исследования для программы «Для художественного вечера», одна немного более законченная, чем Другой.Квадрат в правом нижнем углу остается пустым, предположительно, это место для информации о вечере. Фигуры, окружающие пустое пространство, включают танцующую пару, указывающую пальцами ног (женщина в балетной пачке и туфлях), женщина, держащая переплетенные страницы в одной руке (по иронии судьбы, в более схематичной версии она более явно певица, держащая партитуру), верхняя часть тела человека в шляпе и парике XVIII века, парусные корабли в гавани (настолько схематично в менее законченной версии, что невозможно сказать, что представляют собой нарисованные линии), две дымовые трубы, изрыгающие дым, арфа, частично скрывающая окунь скрипка позади него, смычок иллюзионистски натянут поверх (а не позади) верхней части пустого квадрата.Эти страницы одновременно очаровательны и загадочны. Какой веселый вечер предложат такие разрозненные образы?
Наконечник с бронзовым орлом
Французский
1813–1814
Наконечник с бронзовым орлом. (Любезно предоставлено музеем Изабеллы Стюарт Гарднер)
Оксфордский словарь определяет навершие как украшение на вершине, конце или углу предмета. 10-дюймовый бронзовый орел, украденный с корабля «Гарднер», служил декоративной вершиной флагштока, к которому был прикреплен шелковый флаг Первого полка императорской гвардии Наполеона.Орел стоит гордо, с распростертыми крыльями, почти сверкающими. Хотя они и попытались, воры не смогли снять весь флаг, который был в футляре, привинченном к стене Короткой галереи, поэтому в конце концов они остановились на финише. Весь объект висел в доме миссис Гарднер на Бикон-стрит до того, как она построила музей. Наклейка исчезла, но флаг все еще на месте.
Древний китайский Гу
1200–1100 до н.э.
Древний китайский стакан (или гу). (Любезно предоставлено музеем Изабеллы Стюарт Гарднер)
Согласно веб-сайту музея Гарднера, этот 10-дюймовый бронзовый стакан древней династии Шан был одним из старейших предметов во всей коллекции и, безусловно, самым старым из украденных предметов.Миссис Гарднер купила ее в 1922 году за 17 500 долларов и поместила в Голландской комнате на маленький столик перед картиной Сурбурана «Доктор права», картиной справа от украденного морского пейзажа Рембрандта.
No related posts.